Jennifer Garner volta aos filmes de ação em A Justiceira, longa que tenta reciclar muitos clichês do gênero
A bela e talentosa Jennifer Garner, que já encarnou bons (e maus) papéis em filmes e seriados de ação — Alias: Codinome Perigo, Demolidor, o Homem sem Medo e Elektra — volta, aos 46 anos e depois de protagonizar várias comédias românticas e filmes mais densos, ao gênero em A Justiceira (Peppermint, no original em inglês).
Infelizmente, o longa dirigido por Pierre Morel, responsável por séries e filmes como Taken, District 13, Busca Implacável e Invasão a Londres, é uma mistura de ingredientes utilizados há décadas por outros roteiristas e diretores.
Déja Vu
Todos os elementos que alguém que conheça o gênero de ação, não importa a idade, estão lá: a família feliz que é destruída, o traficante malvado, o policial bom, o policial corrupto, a defesa dos mais pobres e oprimidos, o desejo de vingança e a matança sem remorso.
O problema é que parece que tudo foi jogado em um liquidificador e transformado em um mingau não muito apetitoso. Há vários problemas no roteiro, personagens ralos e uma certa falta de ritmo.
As semelhanças com Desejo de Matar (o original ou o remake) não parecem ser meras coincidências. Na verdade, durante todo o filme as referências de outros títulos ficam pulando na nossa frente.
Tela Quente?
Juan Pablo Raba stars in PEPPERMINT
O filme não chega a ser um desastre completo — deve virar uma boa Tela Quente ou coisa parecida — mas a possibilidade de uma continuação assusta muito.
O elenco de apoio é bastante bom — John Ortiz (Kong), John Gallagher Jr. (10 Cloverfield Lane), Method Man (Keanu), Richard Cabral (Máquina Mortífera) e Tyson Ritter (Preacher) — mas não consegue tirar o filme do atoleiro da falta de criatividade.
Além disso, como acreditar que em uma sociedade onde celulares e câmeras de vigilância registram cada um dos nossos passos, uma pessoa possa roubar armas, entrar e sair de propriedades particulares, cometer assassinatos e explodir tudo sem ser encontrada.
Para os iniciantes
A Justiceira acaba sendo um filme que pode agradar os mais jovens e que não tenham tantas referências de clássicos dos filmes de ação. Pode ser que valha a pena a ida ao cinema, caso o ingresso esteja em promoção.
Filha do ex-craque sérvio Dejan Petkovic lança o clipe de Na Fé, do ótimo CD Mais & Mais
Pode parecer estranho que a filha de um ex-esportista decida seguir pelo caminho da música, mas a escolha da jovem Ana Petkovic foi mais que acertada.
Nascida em Madri, a cantora, que se divide entre o Brasil e a Sérvia, onde mora e estuda, parece decidida a apostar na carreira.
— Como eu moro na Sérvia, durante o ano eu ficava um ou dois meses por aqui. Cada vez que eu vinha eu gravava três ou quatro músicas em uma semana. Agora, eu passo cerca de sete meses no Brasil e estamos planejando fazer vários shows no Rio e em São Paulo — contou Ana.
Em família
O disco Mais & Mais, lançado no fim do ano passado, segue sendo divulgado, agora com o lançamento do clipe da canção Na Fé (Ana, Línox e Max Viana).
Dirigido por Dado Marietti, o clipe foi rodado no Rio e conta com a participação da irmã (Ines), do namorado (Dusan Zdravkovic), além do próprio Petkovic, tocando um… tromPETe (com direito a todos os trocadilhos possíveis).
— Meu pai é o meu empresário e meu maior fã. Sempre que ele chegava em casa, depois dos treinos ou jogos, ele me pedia para cantar algo novo que eu havia escrito. Ele ama música e sempre vai aos ensaios e shows, mas não interfere no processo criativo. É muito legal ter um pai que apoia tudo — contou Ana.
Gol de placa
Mais & Mais é um daqueles discos onde tudo funciona. A produção de Linux e Max Viana é certeira, dando destaque ao suingue das ótimas composições que fazem parte do repertório.
Navegando entre o soul, pop, blues e jazz, a bela voz de Ana (que em alguns momentos lembra o timbre de uma tal Amy Winehouse) se encaixa perfeitamente na pegada balançada e nas canções mais lentas. Ouça Unforgivable e tire suas conclusões.
— Como tenho um gosto bastante eclético eu sempre coloco dois ou três estilos nas minhas composições — explicou.
O soul e os metais de números como Pensa Bem (Línox/ Max Viana / Ana Petkovic) e Encurralado (Línox e Mauricio Oliveira) mostram uma produção de primeira e, se colocadas ao lado de números mais lentos como Cada Dia (Línox/ Max Viana/Ana Petkovic) e Suenos (Línox/ Max Viana / Ana Petkovic), confirmam o gol de placa da artista.
Jogando nas 11
Outro ponto alto de Mais & Mais é a desenvoltura com a qual Ana muda do português para o inglês ou espanhol, mostrando que é mesmo uma cidadã do mundo.
— Eu morei no Brasil 14 anos. Eu cresci aqui. Mesmo morando na Sérvia eu nunca esqueci a língua. Tenho muitos amigos aqui. É engraçado, que aqui em casa em uma frase nós misturamos três línguas — confidenciou a cantora.
Ídolos surpresa
Uma das revelações mais surpreendentes sobre a versatilidade de Ana Petkovic veio quando perguntada sobre quem são seus ídolos e com quem gostaria de trabalhar.
— Ana Carolina e Alcione são artistas que eu admiro e com as quais gostaria de trabalhar — disparou.
Pelo menos quando comparadas com as canções que fazem parte de Mais & Mais, esses são nomes bem pouco prováveis.
CD campeão
Não há como fugir dos clichês futebolísticos. Afinal, Dejan Petkovic foi craque e marcou belos e decisivos gols pelo Fluminense, Vasco, Real Madrid e outros times de menor expressão pelos quais passou. Sua filha segue o mesmo caminho.
Numa sequência de perdas na música, poucos falaram (no Brasil) sobre a morte de Otis Rush, autor de vários clássicos do blues
Um dos grandes nomes do blues, ídolo de músicos como John Mayall, Eric Clapton e Jimmy Page, e autor de clássicos como All Your Love e Double Trouble — gravadas, em vários momentos de sua carreira, por Clapton — Otis Rush morreu no último dia 29.
Com perdas no cenário musical como as de Ângela Maria, Tito Madi e Charles Aznavour, foi pouco o espaço dado pela grande mídia brasileira ao bluseiro, morto aos 84 anos (por complicações de um AVC sofrido em 2003).
Rush iniciou a carreira nos anos 50, inspirado por gente como Muddy Waters e Howlin ‘Wolf, levando uma verta modernidade ao som do blues de Chicago, principalmente com sua ótima técnica na guitarra.
Reconhecimento do outro lado do Atlântico
Otis Rush ganhou reconhecimento mundial nos anos 60, quando John Mayall & the Bluesbreakers (com Eric Clapton na guitarra) gravaram a sua versão de All Your Love (I Miss Loving), em 1966.
Outro momento de reconhecimento da importância e da qualidade da obra de Rush foi a inclusão da canção I Can’t Quit You, Baby no álbum de estreia do Led Zeppelin (1969). Vale lembrar que a mesma canção foi resgatada pelos Rolling Stones em seu álbum Blue and Lonesome (2016).
Prestígio em casa
Rush também influenciou muitos músicos americanos. Stevie Ray Vaughan, por exemplo, deu o nome de Double Trouble para a sua banda. Além disso, a revista Rolling Stone colocou o bluseiro na posição 53 na sua lista dos 100 Melhores Guitarristas de todos os tempos.
22 Milhas, dirigido por Peter Berg, mistura referências e clichês de vários filmes consagrados
Uma equipe de elite cumprindo uma missão que não pode ser resolvida por mais ninguém; uma ameaça terrorista; uma pessoa que precisa ser levada de um ponto a outro, sendo seguida por assassinos bem armados, e um personagem que pode ou não ser um vilão.
Esse pequeno conjunto de fatores pode parecer familiar, e é.
Sendo assim, fica claro que 22 Milhas, novo longa dirigido por Peter Berg (O Grande Herói e O Dia do Atentado) e estrelado por Mark Wahlberg (Os Infiltrados, Ted e Uma Saída de Mestre), tem um roteiro bem pouco criativo.
Todos com mais de 30 anos já viram todos esses elementos em um grande número de longas que fizeram sucesso e não sei se precisamos de (re)ver tudo isso novamente.
Ah, não esqueçamos das inevitáveis reviravoltas no enredo.
Elenco de peso e edição nervosa
A produção não foi barata. O elenco — no qual ainda encontramos nomes como Lauren Cohan, Iko Uwais, Ronda Rousey e John Malkovich — é bem afiado, mas não consegue tirar a incômoda sensação de déja vu.
A edição e a montagem tentam (com algum sucesso) tornar a ação intensa, embora deixem as cenas um pouco picotadas demais.
A violência também não é pouca e deve agradar boa parte do público dos filmes de ação.
Misturando Bourne, Rambo e Bond
O herói interpretado por Wahlberg é uma pessoa cheia de tiques, com pouca interação social e habilidades que lembram Rambo, Jason Bourne e James Bond.
O funcionamento da equipe tem um quê de Missão Impossível e o fim do longa deixa claro a intenção de criar uma nova franquia.
Perseguições de automóveis, pancadaria e tecnologia tentam dar um ar de novidade e emoção ao filme, mas nada funciona muito bem.
Tela Quente
O resultado é um filme nervoso, confuso, com uma história pouco criativa e um gancho que pode levar (tomar que não) a uma continuação. Não chega a ser um desastre, mas é fácil de ser esquecido.
Algum dia, vai ser uma boa Tela Quente ou Temperatura Máxima.
Aos 92 anos, Bennett mostra que ainda domina a arte de escolher bons parceiros e boas canções em mais um disco fundamental, Love Is Here to Stay
Tony Bennett e Diana Krall não são desconhecidos um do outro, muito pelo contrário. Desde 1999 que os dois andam se esbarrando nos palcos e estúdios, tendo lançado canções nos discos Playin’ With My Friends (2001) e Duets: An American Classic (2006).
Em Love Is Here to Stay a dupla esbanja classe em certeiras 12 canções e econômicos 36 minutos, que devem ser aproveitados ao máximo pelo ouvinte, pois não há excessos ou escolhas equivocadas.
Gershwin na veia
A obra criada por George e Ira Gershwin já serviu de combustível para o lançamento de centenas de álbuns. Poucos com a categoria de Love Is Here to Stay, produzido por Dae Bennett e Bill Charlap.
Os arranjos, econômicos e muito elegantes, ficam por conta do Bill Charlap Trio — Bill Charlap (piano), Peter Washington (baixo) e Kenny Washington (bateria) — que faz um trabalho perfeito, destacando as vozes dos dois intérpretes.
Prêmios e recordes
Krall e Bennet são dois artistas reconhecidos pelo público e crítica pela qualidade de seus trabalhos. Os dois já ganharam uma quantidade considerável de prêmios Grammy.
Bennett é o único artista que, com 85 e 88 anos, respectivamente, teve álbuns debutando no primeiro lugar da Billboard, a parada norte-americana — Duets II e Cheek to Cheek (com Lady Gaga).
Já Diana Krall é a única artista de jazz a ter oito álbuns chegando em primeiro ligar na Billboard na semana de seu lançamento.
Para aumentar ainda mais a quantidade de prêmios de Bennet, Love Is Here to Stay já lhe rendeu mais um. No show de lançamento do disco, na última quarta-feira, 12 de setembro, em Nova York, Bennett foi homenageado pelo Guinness Book (o livro dos recordes).
O cantor, agora, é o artista mais tempo levou para fazer uma regravação de um single. Foram 68 anos e 342 dias (contando do dia 3 de agosto de 2018) entre a primeira vez que gravou Fascinating Rhythm — ainda sob o pseudônimo de Joe Bari — e o novo registro.
Um senhor esperto
Normalmente artistas mais veteranos vão perdendo espaço na mídia e relevância no mercado. Parece que 2018 veio para demolir essa verdade.
Assim como Paul McCartney — que emplacou um disco em 1º lugar na parada após 36 anos — Bennett mostra que qualidade ainda faz a diferença.
Mas não é apenas a longevidade da sua voz que faz de Bennett um fenômeno. Suas escolhas recentes têm sido acertadíssimas.
Desde 2014, quando convidou Lady Gaga para gravar um álbum — o maravilhoso Cheek to Cheek, um dos melhores discos dos últimos 20 anos e que também gerou um ótimo DVD ao vivo — que Bennett só acerta.
Esse especial, que conta com as participações de Andrea Bocelli, Michael Bublé, Aretha Franklin, Billy Joel, Elton John, Diana Krall, Lady Gaga, k.d. lang, Rufus Wainwright e Stevie Wonder, é imperdível.
Levando-se em conta que esses projetos foram propostos por Bennett, vê-se que o homem ainda sabe como se manter no topo.
Muitos pontos altos
Difícil apontar as melhores faixas de Love Is Here to Stay . S’Wonderful, I Got Rhythm, I’ve Got A Crush On You, But Not For Me e Fascinating Rhythm seriam as minhas escolhidas hoje, o que não quer dizer que outras não possam entrar na lista amanhã mesmo.
Se Love Is Here to Stay não tem o vigor de Cheek to Cheek, mostra que Bennett ainda é rei quando se fala em crooner de jazz. Sua voz ainda é potente e impecavelmente afinada. Um fenômeno!
Para ouvir repetidamente.
**** ½
PS: Surpreendentemente, a versão física do disco já foi lançada no Brasil.
Max Viana, filho de Djavan faz homenagem ao pai com regravação de Samurai, em disco recheado de ritmos e climas
Ser filho de um dos ícones da música brasileira não deve ser fácil. As comparações são praticamente inevitáveis e a pressão para desenvolver um trabalho de qualidade enormes.
Felizmente, esses fatores não parecem afetar Max Viana, filho de Djavan, que lançou seu quarto álbum, Outro Sol, simultaneamente no Brasil e no Japão (onde a versão física chega ao mercado em novembro). Hoje, o disco pode ser encontrado nas plataformas digitais.
— É um disco que passeia por diversos estilos e explora a riqueza da MPB, que é a música que mais permite falar de tantos gêneros diferentes. Sou de uma época na qual a gente ouvia de tudo no rádio — explicou o músico.
A experiência de ter atuado como guitarrista do pai e já ter trabalhado com gente do calibre de Arlindo Cruz, Luiza Possi, Claudia Leitte, Ana Petkovic e Rappin’ Hood, além do próprio Djavan, é claro, trouxeram uma segurança e experiência que estão visíveis no novo trabalho.
Evoluindo
Produzido pelo próprio Max (assim como os trabalhos anteriores) e Renato Iwai, Outro Sol soa como uma evolução natural dos discos anteriores — o Calçadão (2003), Com Mais Cor (2007) e Um Quadro de Nós Dois (2011) — misturando jazz, soul, funk, samba e pop de maneira muito inspirada.
— Acho que é uma evolução natural. O tempo vai passando e a gente vai apurando algumas coisas. Ele tem umas coisas de arranjo que eu gosto mais, que são mais objetivas. Tem uma escolha de repertório que me grada muito e onde posso ter canções como Outro Sol, que remetem ao meu primeiro disco — revelou Max.
A mistura de influências começa logo na faixa-título (a primeira do disco), que traz aquele suingue dançante que deixa claro o pedigree (no bom sentido) de Max. Essa mesma linha dançante está em Tem Fé e Linha de Frente, fazendo uma trinca de abertura de muito peso.
Mas não são apenas os ritmos dançantes que se destacam em Outro Sol. As baladas Pontos de Partida e Tem Nada Não mostram que o talento de Max vai bem mais além do óbvio.
Tem nada não
Meu bem querer
Eu fico aqui até passar
Seu coração vai aprender a não se machucar
Um dia sol, um dia sem
Nenhum motivo pra nublar
Felicidade um dia vem
Pedindo pra ficar
Fim em alto nível
Se as baladas fazem Outro Sol subir de nível novamente, as duas últimas canções — o samba O Amor Não Acabou e a regravação de Samurai — fecham o disco com aquele velho chavão: “chave de ouro”.
O Amor Não Acabou é daqueles sambas com toques pop que não se ouve muito mais nas rádios. Longe do popularesco, a canção tem a elegância de um Paulinho da Viola, mesclado com uma contemporaneidade do Casuarina.
A parceria com Pretinho da Serrinha e Leandro Fab seria um encerramento perfeito para um ótimo trabalho, mas tem mais!
Samurai
Uma das canções mais conhecidas da MPB e da carreira do pai, Samurai ganha uma nova roupagem, mais balançante ainda, com um toque de modernidade, mas sem cair no pastiche ou soar oportunista.
— Quando estava fechando o repertório, uma pessoa da gravadora de lá perguntou se eu poderia regravar essa canção. Como é uma música muito emblemática do meu pai, não é uma que eu escolheria para gravar. Eles disseram que exatamente por isso eles achavam que seria bacana para apresentar no Japão. Gostei do desafio e meu pai gostou muito, até porque ela é muito diferente da original — revelou.
No fim, Max Viana oferece um trabalho de altíssima qualidade e com uma versatilidade capaz de agradar fãs de (quase) todos os gêneros.
Início, meio e fim
Outro Sol, que ganha edição física no Japão (ainda não há confirmação de seu lançamento no Brasil) é um disco clássico, com uma história própria.
— O streaming mudou um pouco a maneira das pessoas ouvirem música, exatamente por essa opção de ouvir uma faixa aleatória ou na ordem que mais gostar, mas ainda acho que o disco é uma história com início, meio e fim, que deve ser ouvida na sequência concebida pelo autor — explicou o músico.
No outro lado do sol
Aproveitando o lançamento simultâneo no Brasil e no Japão, Max embarca, em dezembro, para uma turnê do outro lado do mundo.
A Farewell Yellow Brick Road teve seu início no sábado (8) em Allentown, na Pennsylvania. Turnê de Elton John terá mais de 300 shows e vai durar três anos
Sir Elton John é um veterano com muitos prêmios na prateleira e uma carreira recheada de clássicos. Foi o rei das paradas na década de 70 e manteve-se ativo e relevante por quase cinco décadas. Agora, parece que, aos 71 anos, ele vai mesmo pendurar as chuteiras.
— Gostaria de agradecer do fundo do meu coração por tudo o que vocês me deram nesses últimos 50 anos. Tenho a mais bela família de todas e eu realmente preciso passar mais tempo com eles. Eu sei que vocês vão entender isso, já que a maioria de vocês tem seus próprios filhos. Eu só quero que vocês saibam a razão pela qual estou fazendo essa turnê —explicou Elton durante o show.
Anunciada em janeiro, a Farewell Yellow Brick Road está programada para ter mais de 300 datas, com shows em todos os continentes e duração de três anos. O Brasil vai estar no roteiro (embora ainda sem data definida) e podemos esperar mais uma inclusão de Skyline Pigeon no repertório.
Clássicos e números menos conhecidos
Acompanhado de um grupo formado por craques — alguns deles fazendo parte das bandas do músico desde 1968 e início dos anos 70 — Elton fez o que se espera dele: desfilou grande parte de seus sucessos e pinçou algumas obscuridades (veja o setlist no fim do texto).
Um show que reúne Ray Cooper, Dave Johnstone e Nilgel Olson no mesmo palco, não pode dar errado. Uma apresentação onde são interpretados números como Tiny Dancer, Someone Saved My Life Tonight, Don’t Let The Sun Go Down On Me e Your Song, só pode deixar o público extasiado.
Agora é esperar que o Rocket Man aterrisse no Brasil.
O setlist
Bennie and the Jets
All the Girls Love Alice
I Guess That’s Why They Call It the Blues
Border Song
Tiny Dancer
Philadelphia Freedom
Indian Sunset
Rocket Man (I Think It’s Going to Be a Long, Long Time)
Take Me to the Pilot
Someone Saved My Life Tonight
Levon
Candle in the Wind
Intervalo
Funeral for a Friend/Love Lies Bleeding
Burn Down the Mission
Believe
Daniel
Sad Songs (Say So Much)
Don’t Let the Sun Go Down on Me
The Bitch Is Back
I’m Still Standing
Crocodile Rock
Saturday Night’s Alright for Fighting
Bis
Your Song
Goodbye Yellow Brick Road
Silvio Caldas inglês?
Reginald Kenneth Dwight nunca foi uma pessoa fácil. Seus chiliques são famosos e, assim como o nosso Silvio Caldas, seus anúncios de despedida dos palcos não foram poucos.
Abaixo alguns das mais famosas histórias de despedida de Elton John.
1977 (Wembley Stadium)
O primeiro dos anúncios de despedida aconteceu em novembro de 1977, antes de tocar (apropriadamente) Sorry Seems to be the Hardest World. A ideia não durou muito e dois anos depois ele já estava de volta aos estúdios e aos palcos.
1984 — turnê do disco Breaking Hearts
Drogas e uma extensa turnê parecem ter, novamente, esgotado o músico. Depois problemas em vários shows — teve de receber oxigênio durante uma apresentação no Madison Square Garden — Elton decidiu que esta seria a sua “última grande turnê e rock and roll”.
No entanto, um ano depois, Elton estava firme e forte nos palcos do mundo para promover seu álbum Ice on Fire.
2010 — em entrevista a revista GQ
Elton disse que, aos 63 anos, estava se sentindo velho e que não podia mais concorrer com os astros mais jovens.
— Eu não consigo mais escrever canções pop. Eu não posso mais sentar e fazer uma verdadeira canção de rock — disse.
Bem, em 2013, lá estava ele novamente na estrada para promover o disco The Diving Board, passando inclusive pelo Brasil (em 2014). Leia a crítica aqui.
2014 — no Festival de Carcassone, na França
No dia 15 de julho de 2014, durante a sua apresentação no Festival de Carcassone, na França, Elton disparou: “nada mais de shows, nada mais de música, nada mais de canções”.
Porém, apenas um dia depois, o músico disse ao tabloide The Mirror que “estava brincando” (e estava).
Cantora estreou no Rio a versão estendida do Tributo a Wilson Baptista, show que confirma a excelência na escolha dos seus projetos
Mônica Salmaso é, provavelmente, a dona da mais bela voz do Brasil, e Wilson Baptista (3 de julho de 1913 – 7 de julho de 1968) é um compositor com uma das mais ricas obras do samba. Embora muita gente, como é comum na falta de memória que aflige o país, não ligue o nome às composições. A junção do talento dos dois criou um espetáculo imperdível: Tributo a Wilson Baptista.
A apresentação deste sábado (25/8) no Teatro Rival, no Centro do Rio de Janeiro, serviu não só para celebrar as canções de Baptista como para apresentá-las ao público mais jovem.
Elegância acima de tudo
Obras-primas como Acertei no Milhar, Boca de Siri e Lá Vem a Mangueira, só para citar algumas, ganharam leituras delicadas e elegantes. Como tudo tocado por Salmaso.
Acompanhada de Paulo Aragão (violão), Luca Raele (clarinete) e Teco Cardoso (saxofone e flauta), a cantora trouxe para o seu universo a obra de Baptista, sem desfigurar a essência de nenhuma das canções.
Outro destaque da noite foi a indisfarçável alegria da intérprete com o roteiro do espetáculo, o público presente, os arranjos das canções e a história de Wilson Baptista.
— Gostaria de ressaltar a minha felicidade com o público que foi ao show. Fomos muito bem acolhidos, isso foi muito especial pra gente! Voltei pra casa muito feliz! De verdade! — agradeceu por e-mail uma supersimpática Mônica Salmaso.
Histórias deliciosas
Além dos belíssimos sambas pinçados das mais de 600 composições de Baptista, Mônica Salmaso costurou o roteiro com deliciosas histórias tiradas da biografia Wilson Batista – O samba foi sua glória!, escrita por Rodrigo Alzuguir e lançada em 2014.
Os causos contados entre as músicas serviram como deliciosos links para contextualizar o momento histórico das composições.
Além disso, histórias onde os personagens são figuras do calibre de Moreira da Silva, Ataulfo Alves e Noel Rosa (com quem Baptista teve uma rixa histórica e que rendeu vários clássicos), jamais serão desinteressantes.
As histórias, vale o registro, dão chance de vermos uma Mônica Salmaso descontraída e engraçada como poucas vezes.
— Este projeto tem o diferencial de ser contextualizado na história do Wilson Baptista e por isso ter mais falas. O que me tira um pouco da minha zona de conforto, por um lado. Mas ao mesmo tempo ajuda no aproveitamento da escuta das canções — explicou a intérprete.
Respeito do público
O envolvimento dos músicos e da cantora criaram um clima mágico que se irradiou por todo o Teatro Rival. A plateia, durante praticamente todo o show, se manteve com uma atitude de reverência. Difícil descobrir se para o espetáculo, as canções de Baptista ou o conjunto da obra.
Os longos aplausos, a atenção ao ouvir as histórias sobre as canções apresentadas e o silêncio poderoso que permitia ouvir cada nota e cada nuance dos sons vindos do palco mostraram que o poder da (boa) música, como repito sempre, é atemporal.
— Agora estamos entrando na fase de arredondar o show. Tirar excessos (principalmente nas falas). Gosto dessa ordem e do repertório. Sinto que o show está bem amarrado — explicou Mônica.
Planos
Lançar um CD ou DVD do projeto são possibilidades não descartadas pela artista.
— Pensamos em gravar e fazer um material pra exibição em TV ou vídeos em capítulos para a internet… Mas são ideias que começaram agora. O que eu quero mesmo é fazer este show mais vezes — disse a cantora.
Quem puder assistir a uma apresentação desse show não deve deixar a oportunidade passar. Ou vai se arrepender.
Show
Mônica Salmaso – Tributo a Wilson Baptista – Teatro Rival Petrobras – 25/8
Cotação: *****
Fotos: Jo Nunes e Divulgação Vídeos: Jo Nunes — Oh! Seu Oscar, A Mulher do Seu Oscar, Acertei no Milhar e Meu Mundo é Hoje (Eu Sou Assim).
Foi na segunda-feira (23 de julho) que, da mesma forma que há 49 anos, Paul McCartney saiu da sua casa e, calçando sandálias, foi andando até os estúdios da EMI, em Abbey Road (Londres). Lá, encontrou seus três companheiros de banda e fez uma das fotos mais famosas do mundo. Dessa vez ele repetiu o caminho para realizar um evento promocional do seu próximo disco “Egypt Station” – que será lançado dia 7 de setembro e terá uma canção sobre o Brasil.
Detalhe: ele não foi incomodado no caminho e não foi reconhecido por duas senhoras que atravessaram a faixa de pedestres junto com ele.
Vamos ver quais eventos teremos anos que vem, quando a foto completa 50 anos.
Disco, chamado Egypt Station, será lançado no dia 7 de setembro
O ex-beatle Paul McCartneyé mais um dos dinossauros do rock que apesar de todas as loucuras dos anos 60 e 70 parecem estar em forma e sem indícios de que vão diminuir o ritmo produtivo. Aos 76 anos, Paul, que faz turnês todos os anos, quase sempre incluindo o Brasil no roteiro, acaba de lançar um novo single com dois lados A (‘I Don’t Know‘ e ‘Come On To Me’) e um novo disco, que parece que vai se chamar Egypt Station.
O novo trabalho vem na sequência de New (2013) e pode contar com uma música gravada no e sobre o Brasil.
Críticos musicais e muitos fãs de rock costumam ter atitudes pouco respeitosas por artistas que não eram puramente artistas. Provavelmente o maior exemplo disso são os Monkees, um grupo de atores/músicos contratados para estrelar uma série de TV sobre um grupo pop e que acabaram se tornando uma banda de verdade.
É verdade que, no início da carreira, Davy Jones (voz e percussão), Micky Dolenz (voz e bateria), Peter Tork (baixo, teclado e voz) e Mike Nesmith (voz e guitarra), não compunham ou tocavam nos discos (apenas cantavam), mas com canções escritas por nomes como Carole King, Harry Nilson, David Gates, Neil Sedaka, Neil Diamond, Jerry Leiber e Mike Stoller, além do impulso de um ótimo programa na TV, não é de se admirar que seus singles e LPs fossem para o topo das paradas.
O que muita gente parece esquecer é que os rapazes eram talentosos (a voz de Micky Dolenz é um exemplo) e que eles nunca representaram ser o que não eram. Na verdade, quando decidiram que queriam mesmo ser uma banda, cavaram a sua sepultura. Pode parecer estranho, mas em 1967 os Monkees eram tão famosos que tinham como ato de abertura de seus shows um tal de Jimy Hendrix. Mais importante: eles foram os artistas que mais venderam discos nos Estados Unidos naquele ano. Repetindo: nem os Beatles, os Rolling Stones, Cream, Simon & Garfunkel ou Bob Dylan. Os maiores vendedores de discos foram os Monkees!
O reconhecimento
Apesar de todo o sucesso, a crença geral é de que só as crianças conhecem o grupo – graças aos filmes do Shrek e da canção I’m a Believer – ou os adultos que reconhecem a dança de Axl Rose, mas essa não é a verdade. No dia 21 de junho de 1997, em Los Angeles, o U2 – já uma das maiores bandas do mundo – fazia mais um show da sua turnê PopMart, na qual o guitarrista The Edge tinha o seu momento de destaque fazendo um karaokê onde a canção mais executada era Daydream Believer, um sucesso dos Monkees, claro. Então, do nada, Davy Jones entra no palco e rouba o show. Porém, mais surpreendente que a reverência de The Edge é ver que toda a plateia conhece a canção.
Baterista termina turnê brasileira mostrando energia e que a magia do rock progressivo não morreu
Enquanto a história mostra que bandas de rock sofrem com a perda de seus bateristas (casos do The Who, com Keith Moon, e do Led Zeppelin, com John Bonham), algumas ficam com seu legado a cargo dos donos das baquetas. O Emerson, Lake and Palmer – formado pelos ingleses Keith Emerson, Greg Lake e Carl Palmer – entra nessa categoria.
Ícone do rock progressivo, a banda tem sua música imortalizada pelo baterista Carl Palmer, que passou pelo Brasil com a sua Carl Palmer’s ELP Legacy Tour 2018, como parte da Top Cat Series, que também trouxe o guitarrista do Genesis, Steve Hackett e o grupo Premiata Forneria Marconi. Na sua última apresentação no país, o músico e seus dois ótimos escudeiros – Paul Bielatowicz (guitarra) e Simon Fitzpatrick (baixo) – fizeram uma apresentação de gala no Teatro Municipal João Caetano, em Niterói, no Rio de Janeiro.
Clássicos
Seguindo um setlist bem próximo das apresentações anteriores, Palmer desfilou uma série de clássicos de seu ex-grupo, mostrando uma vitalidade e força surpreendentes para um senhor de 68 anos e viveu o auge do sexo, drogas e rock and roll. Peças musicais como Trilogy, Lucky Man, Fanfare for the Common Man e Tarkus – o ponto alto da noite -, foram executadas com precisão e muita energia.
Recuperando o fôlego
A energia do baterista era recarregada entre as músicas, quando o britânico aproveitava para contar algumas histórias sobre as canções e sobre o grupo, e ainda recuperava o fôlego antes de atacar furiosamente a sua bateria. Normalmente a parte mais chata de um show de rock fica dividido entre a hora do solo de baixo ou do solo de bateria. Nos dois casos a surpresa foi mais que agradável. Simon Fitzpatrick fez um solo onde incluiu o clássico From the Beginning, com uma técnica de dedilhado (a lá Stanley Jordan) impecáveis. Já Palmer fez seu tour de force durante Fanfare for the Common Man, quase no fim da apresentação, marcada por vários pequenos solos.
Ataque epilético ou músicos cheios de ego e talento?
Há quem diga que o ELP não era apenas a reunião de músicos talentosos tocando música complexa e pretensiosa (no bom sentido). Para muitos o estilo do grupo se aproximava mais de um ataque epilético coletivo, onde cada um tocava de maneira egoísta. Apesar de concordar que musicalmente eles tinham um grande ego (com razão), a química e entrosamento eram inegáveis. A produtividade da banda no início dos anos 70, com a gravação de 5 álbuns de extrema qualidade – Emerson, Lake & Palmer (1970), Tarkus (1971), Pictures at an Exhibition (1971), Trilogy (1972) e Brain Salad Surgery (1973) – dentro de um período de apenas três anos é típica de uma época onde mesmo as mais complexas produções eram realizadas em uma velocidade impensável para os dias de hoje, assim como alcançar vendas de 48 milhões de discos, nesses tempos de streaming.
Teatro cheio de “combustível”
– Obrigado por terem vindo nos assistir essa noite. Sei dos problemas que vocês estão tendo com combustível e outras coisas. Nós mesmos tivemos uma carreta com equipamento parada em uma estrada e tivemos que alugar alguns equipamentos – falou Palmer para a plateia em certo momento da apresentação.
Se o país sofre com o bloqueio das estradas realizado por caminhoneiros e empresários e com a total falta de habilidade e força do Governo para resolver o problema, o público de Niterói deu uma demonstração de que mesmo com os problemas no transporte e a escassez de gasolina, a boa música vence. O belíssimo Teatro Municipal de Niteróiestava praticamente lotado e, tenho certeza, suas paredes – quase bicentenárias – foram revigoradas com uma energia e uma música não muito comum para o local.
No fim das contas, os que não tiveram a oportunidade de assistir ao ELP com os três integrantes ou alguma de suas reencarnações, teve uma boa mostra da magia que a sua música ainda possui.
Ainda há grandes nomes do progressivo vivos e fazendo história. Quem tiver a oportunidade de, por exemplo, assistir ao Yes (com Rick Wakeman), não deve deixar de aproveitá-la, mas quem presenciou o Carl Palmer de 2018 pode se orgulhar de um ídolo que soube envelhecer com a força de um rapaz de vinte e poucos anos.
O show
Abaddon’s Bolero (Emerson, Lake & Palmer cover) Karn Evil 9: 1st Impression, Part 2 (Emerson, Lake & Palmer cover) Tank (Emerson, Lake & Palmer cover) Knife-Edge (Emerson, Lake & Palmer cover) Trilogy (Emerson, Lake & Palmer cover) From the Beginning (+ solo de baixo) Canario (Emerson, Lake & Palmer cover) 21st Century Schizoid Man (King Crimson cover) Solo de guitarra Hoedown (Aaron Copland cover) Lucky Man (Emerson, Lake & Palmer cover) Tarkus (Emerson, Lake & Palmer cover) Carmina Burana (Carl Orff cover) Fanfare for the Common Man (Aaron Copland cover) Solo de bateria Nutrocker (Pyotr Ilyich Tchaikovsky cover)
Who Came First, para muitos o primeiro disco solo de Pete Townshend (o gênio por trás do The Who) fez 45 anos e ganhou uma nova reedição remasterizada e estendida. O disco pode ser considerado uma forçação de barra da gravadora, que juntou demos (a maioria para o abortado projeto Lifehouse, que acabou tendo várias canções servindo como base do LP Who’s Next) e algumas faixas já lançadas por Townshend nos seus dois (verdadeiros) primeiros discos solo – Happy Birthday e I Am, ambos em homenagem ao seu guru: Meher Baba. Esses dois discos chegaram a ser lançados em CD pelo próprio Townshend – em um box chamado Avatar, que também continha o álbum With Love (1976) e um DVD – em seu (falecido) site. Infelizmente, a edição foi limitada e foram poucos os que conseguiram uma cópia (eu, incluído).
Lançado originalmente em 1972, Who Came First era composto por apenas nove faixas. Dessas, Townshend não compôs três delas, participou como músico em duas e não teve nenhuma participação em uma (Forever’s No Time at All, cantada por Billie Nicholls e com instrumentação por conta de Caleb Quaye). Portanto, considerar esse um disco solo tem lá suas controvérsias.
Versão definitiva?
Dito isso, vamos ao relançamento. De um disco de nove faixas, Who Came First se transformou em um CD duplo, com mais 17 faixas, oito delas inéditas. Estas inéditas, juntamente com as originaisPure and Easy, Nothing is Everything (Let’s See Action) e Sheraton Gibson, já valeriam a compra. Se esse relançamento é a versão definitiva? Em termos de qualidade de som, sim. Em termos de conteúdo, talvez. Desta vez o álbum – que já havia sido alvo de relançamentos nos anos 90 e em 2006 – foi remasterizado a partir das fitas máster por Jon Astley, colaborador de longa data de Towshend e que foi o responsável pelas (controversas) remixagens dos álbuns do Who. O som é muito superior ao das versões anteriores, mas ainda há material que poderia ter feito parte do setlist, mas foi deixado de fora (Lantern Cabin, por exemplo), além de vários outros demos que podem ser encontradas na Lifehouse Chronicles, uma caixa de seis CDs que Townshend lançou em 2000 e que também foi lançada em edição limitada e está fora de catálogo.
A edição de 45 anos também conta com novas liner notes escritas pelo próprio Townshend, uma reprodução do poster que acompanhava o LP original e um livreto de 24 páginas com fotos de Townshend e Meher Baba no estúdio de gravação, tornando o lançamento bastante relevante para os fãs de carteirinha e para os que apenas conhecem o básico da obra do guitarrista.
Pontos altos
Além das já citadas Pure and Easy, Nothing is Everything (Let’s See Action) e Sheraton Gibson, There’s a Heartache Following Me e Parvardigar são os pontos altos do disco original. Já o segundo CD oferece aos fãs pérolas como uma nova edição do demo de The Seeker, uma versão instrumental de Baba O’Reilly (com mais de 9 minutos de duração) e duas canções que parecem um pouco fora de contexto: a versão de Evolution, cantada no memorial de Ronnie Lane, em 2014, e Drowned, gravada na Índia, em 1976.
Mas, o verdadeiro ponto alto é a qualidade de som. A nova edição (mesmo em streaming) deixa no chinelo todos os relançamentos anteriores – fiz a comparação. Desta vez Astley fez um trabalho exemplar. O som está mais alto e muito mais claro, melhor até do que o encontrado nas versões da série Scoop, na qual Townshend despejou grande parte dos seus demos.
A edição comemorativa dos 45 anos de lançamento do Who Came First deve ser a última (espero), já que não faz sentido obrigar os fãs a comprarem um material já amplamente divulgado. O lançamento – da Universal Music – ainda não tem previsão de lançamento no Brasil. Só nos resta encomendar lá fora (a Amazon inglesa está com um bom preço) e torcer para que a sua encomenda não seja roubada no meio do caminho.
Que venham os relançamentos dos demais álbuns solo de Townshend.
As faixas
CD 1 1. “Pure and Easy”
2. “Evolution”
3. “Forever’s No Time At All”
4. “Let’s See Action”
5. “Time Is Passing”
6. “There’s a Heartache Following Me”
7. ” “Sheraton Gibson”
8. “Content”
9. “Parvardigar”
CD2
1. “His Hands”
2. “The Seeker” (2017 edit)
3. “Day Of Silence”
4. “Sleeping Dog”
5. “Mary Jane” (Stage A Version)
6. “I Always Say” (2017 Edit)
7. “Begin The Beguine” (2017 edit)
8. “Baba O’Reilly” (Instrumental)
9. “The Love Man” (Stage C)*
10. “Content” (Stage A)*
11. “Day Of Silence” (Alternate Version)*
12. “Parvardigar” (Alternate take)*
13. “Nothing Is Everything”*
14. “There’s A Fortune In Those Hills”*
15. “Meher Baba In Italy”*
16. “Drowned” (live in India)*
17. “Evolution” (live at Ronnie Lane Memorial)
(* Versões ou canções inéditas)
Zé Renato, um dos artistas mais produtivos da nossa música e dono de uma das mais belas vozes do país, lançou, no início do ano, o seu 14º disco solo, Bebedouro. O disco autoral, que ganhou um show de lançamento no Rio de Janeiro apenas agora em abril, é uma pérola de elegância nos arranjos, belas melodias e uma pitada caprichada de suingue.
O disco
Seguindo por alguns caminhos conhecidos, com melodias intrincadas e riffs de violão que remetem a composições de seus discos anteriores, mas também trilhando por sonoridades não tão comuns em suas composições, Zé Renato mostra que é possível produzir muito e manter um altíssimo padrão de qualidade. Com parcerias que vão desde nomes habituais no universo do compositor (Joyce) e ótimas aquisições (Moacyr Luz e João Cavalcanti), Bebedouro leva o ouvinte para uma viagem onde o samba, a MBP, o jazz, o sambalanço e até o rock progressivo se incorporam de maneira harmoniosa.
Fonte de Rei (Zé Renato e Paulo César Pinheiro), que abre o álbum, dá um toque rural a uma composição que, em conjunto com os vocais do grupo Subversos, deixa claro que Zé Renato não afrouxou na escolha do repertório, escolha dos (ótimos) músicos que o acompanham, na produção e nos arranjos. Sacopenapan (parceria com Joyce) vem uma homenagem ao tão maltratado Rio de Janeiro, cidade que os dois compositores escolheram para viver. Destaque para o belíssimo trabalho de Cristóvão Bastos, ao piano.
Sacopenapan Lagoa, montanha e mar, brilhando pela manhã Feito coração, areias e manguezais, miragem na escuridão
Sacopenapan A água que me banhou, banhou meu amor também Luz que iluminou o todo me criou, a gente que eu quero bem
Quando eu era criança eu só queria te viver A vida foi me levando pelo mundo E o mundo eu fui percorrer
Voltei pra Sacopenapan Aldeia de onde eu vim, caminho do meu lugar Meu quintal sem fim, que nasce em Copacabana e acaba no Humaitá
Mas não é só de Rio de Janeiro que Zé Renato bebe nas suas composições. A samba/bossa nova Vamos Curtir o Amor, uma belíssima parceria com Moraes Moreira, que dá uma canja recitando parte da letra, é um dos pontos altos do repertório. Detalhe que, segundo o cantor, essa foi uma das parcerias mais rápidas da sua vida, resultante do encontro em um aeroporto. Dentro do avião, antes da decolagem, o músico baiano avisou: “Acabei de te mandar uma letra” e a canção ficou pronta naquele mesmo dia.
O amor é sim, explosivo Diferente da amizade Inunda se for preciso, é feito um rio que invade Afoga tudo que é queixa, quando se esvai ele deixa A sombra de uma saudade
O amor é irresponsável É o veneno da serpente Tira onda de saudável e deixa a gente doente O amor eu sempre aposto O amor é assim exigente e é assim que eu gosto
O amor é irresistível e não tem dia nem hora O amor é quase impossível e gosta do aqui e agora No amor eu me amarro O amor é o combustível que eu preciso pro meu carro De que matéria foi feito a ciência ainda não sabe Vamos curtir o amor antes que ele se acabe
Seguindo as parcerias e participações, Samba e Nada Mais (Zé Renato e João Cavalcanti), canção com o clima característico da família Caymmi com as cantigas de outras épocas, ganha o timbre grave de Dori Caymmi dividindo o registro com a clareza aguda do cantor do Boca Livre.
Agora e Sempre (Zé Renato e José Carlos Capinam) traz um clima mais calmo, num samba a moda antiga, que faz muita falta nas rádios e paradas de hoje. É daquelas que ligam a chave do túnel do tempo, para épocas bem mais criativas que a atual.
Com, segundo o autor, influências de Joni Mitchell e o Edu Lobo, Noite – outra parceria com Joyce – se estrutura baseada em outro marcante riff de violão e no poderoso som dos sopros. Um dos pontos mais altos do disco.
Náufrago (Zé Renato e Nei Lopes) transporta o ouvinte os mares calmos e cheios de melancolia de Cabo Verde, numa bela homenagem à cantora Cesária Évora (1941-2011), que Zé ouviu em um bar de jazz em Nova York e se tornou um fã de imediato.
Se Bebedouro mantém um alto padrão de qualidade nas composições que podem ser consideradas dentro do universo comum de Zé Renato, as duas últimas canções do disco – aliás, se há um defeito gritante no álbum é a sua curta duração: parcos 37 minutos e apenas 9 canções – levam o álbum para um outro nível e deixam um gosto (meio amargo) de quero mais. Agogô(parceria com Moacyr Luz) e Pedra do Mar (outra parceira com Paulo César Pinheiro). São nessas composições que Zé Renato injeta um suingue que nem sempre encontrados em sua obra.
O destaque é mesmo Agogô – totalmente inspirada no sungue da Banda Black Rio -, um dos sambas mais inspirados dessa década, comprovando o ótimo momento tanto de Zé quanto do sambista-trabalhadorMoacyr Luz, é daquelas canções que têm tudo para entrar no rol dos clássicos do cancioneiro do autor de Toada.
Dá licença, faz favor que eu vou ficar em Madureira Agogô Eu sou cria de Silas de Oliveira
Jacaré, Jardim de Alá Um Deus dará, num dá bobeira Agogô Carnaval num termina na quarta-feira
Berimbau me confirmou, o bicho pegou É maré cheia Agogô Arrastão vem descendo na ladeira
Zazueira de Benjor A moçada sambando a noite inteira Agogô Eu sou dessa aquarela brasileira
Esse samba vai pra você e pra quem quiser curtir Esse samba quer alegria, ver você sorrir Esse samba tem liberdade, é o que me importa Banda Black Rio, o suingue carioca
Se havia alguma dúvida de que ser produtivo não impede que um artista mantenha um alto padrão de qualidade, Zé Renato desmonta a teoria com o ótimo Bebedouro. “De vez em quando, preciso mostrar que também sei fazer umas musiquinhas”, diz em tom de brincadeira.
Zé, musiquinhas?
Cotação – Excelente (4 estrelas)
Bebedouro – o show
O palco do Teatro Riachuelo, onde tempos atrás funcionava o cinema Palácio, no Passeio Público, foi o local escolhido para o lançamento carioca do disco Bebedouro (em 3/4). O local, com toda a imponência dos antigos cinemas de rua, é lindo, embora não tenha na acústica a sua melhor qualidade. O que poderia ser um problema passou praticamente despercebido pela qualidade do repertório e da banda que acompanhou Zé Renato nesse lançamento – Cristóvão Bastos (piano), Zé Nogueira (sax soprano), Jamil Joanes (baixo), Kiko Freitas (bateria) e os irmãos Everson Moraes (trombone) e Aquiles Moraes (trompete).
O repertório, que além das canções de Bebedouro, incluiu Zé Kétti, Egberto Gismonti e Edu Lobo, entre outros, se mostrou bem amarrado e deu mais força ainda as composições do novo trabalho. Desde os primeiros acordes de Agogô – que também fechou o show antes do bis – ficou a certeza de que Zé Renato fez escolhas baseadas na qualidade e com o intuito de deixar a plateia embevecida. Os arranjos que já soavam ótimos nas versões de estúdio, ganharam um tom de big band ainda mais nítido, mesmo nos momentos mais intimistas.
Fora do repertório do disco, Dentro de Mim Mora um Anjo (Sueli Costa) e Toada (Na direção do dia), se destacaram. O sucesso do Boca Livre, aqui em versão violão e trompete, soou nova e fresca, e ainda se transformou em uma singela homenagem a vereadora Marielle Franco, que por um dia foi a morena da canção.
A luxuosa participação de João Cavalcanti – filho de Lenine e ex-Casuarina – foi cirúrgica, dando um balanço extra a Samba e Nada Mais e a A Voz do Morro (outra de Zé Kétti). Até mesmo o momento instrumental reservado para a banda (Amphibious, de Moacir Santos), que poderia soar deslocado, se inseriu perfeitamente no universo de referências musicais criado por Zé Renato.
Infelizmente não há nada planejado para esse show – provavelmente os 40 anos do Boca Livre devem ser o foco dos próximos meses, com (tomara) a reedição dos primeiros discos do grupo e o lançamento de um novo álbum – que merecia ter uma vida longa pelos palcos do Brasil e não apenas poucas apresentações. Os amantes da boa música que tiverem a oportunidade de comparecer a uma das próximas (será?) apresentações, não devem perder a chance de, por pouco mais de 90 minutos, assistirem a uma partida onde todas as jogadas são de craque.
Repertório
Agogô (Zé Renato e Moacyr Luz)
Sacopenapan (Zé Renato e Joyce Moreno)
Noite (Zé Renato e Joyce Moreno)
Ano Zero (Egberto Gismonti e Geraldo Carneiro)
Repente (Edu Lobo e José Carlos Capinam)
Uma Vez, Um Caso (Edu Lobo e Cacaso)
Carinhosa (Zé Renato e Otto)
Vamos Curtir o Amor (Zé Renato e Moraes Moreira)
Agora e Sempre (Zé Renato e José Carlos Capinam)
Diz Que Fui Por Aí (Zé Kétti e Hortênsio Rocha)
Samba e Nada Mais (Zé Renato e João Cavalcanti) – com João Cavalcanti
Mulato (João Cavalcanti) – com João Cavalcanti
Dentro de Mim Mora um Anjo (Sueli Costa e Cacaso)
Toada (Na direção do dia) (Zé Renato, Claudio Nucci e Juca Filho)
O Amor em Paz (Antonio Carlos Jobim e Vinicius de Moraes)
Tua Cantiga (Cristovão Bastos e Chico Buarque)
Amphibious (Moacir Santos) – instrumental
Navegantes (Zé Renato e Nei Lopes)
Ânima (Zé Renato e Milton Nascimento)
Pedra de Mar (Zé Renato e Paulo César Pinheiro)
Fonte de Rei (Zé Renato e Paulo César Pinheiro)
Agogô (Zé Renato e Moacyr Luz)
A Voz do Morro (Zé Kétti) – com João Cavalcanti
Bis:
Noite (Zé Renato e Joyce Moreno) – com João Cavalcanti
O Super Bowl é a maior audiência esportiva da TV americana e os espaços comerciais são os mais caros do mundo. Alguns anúncios são criativos, outros convencionais, mas, em 2018, o que mais me chamou a atenção foi o comercial do Wendy’s, uma cadeia de fast food que usa hambúrgueres quadrados e cheios de gordura. Pena que ela não esteja representada no Rio de Janeiro
Sinceramente, não sei se gostei da notícia ou não.
O Spotify irá veicular vídeos em sua plataforma, que até então só transmitia músicas em streaming. De acordo com Daniel Ek, fundador do serviço, o conteúdo incluído será fruto de parcerias com Vice News, BBC, NBC, MTV, Comedy Central e TED. “Inserir vídeos em nossa plataforma era algo inevitável, a ideia é que com esse conteúdo as pessoas passem a ouvir mais música.” O app vai oferecer vídeos e podcasts com base nos interesses dos usuários, assim como ocorre com o acervo de canções disponibilizadas pela ferramenta.
Ek também revelou outras novidades no serviço, como o Spotify Running, que adapta o estilo da música ao ritmo dos passos ou da corrida do usuário, e o Running Originals, pacote de seis músicas originais criadas para corredores.
Não é incomum chamar uma pessoa de gênio, principalmente na música. Alguns deles – John Lennon, Paul McCartney, Jimmy Hendrix, Chico Buarque, Paul Simon e Muddy Waters, são mesmo – outros são pessoas super talentosas – Milton Nascimento, Keith Richards e Jack Bruce, por exemplo – e ainda há aqueles que viram deuses – Eric Clapton. Peter Dennis Blandford Townshend, que nesta terça-feira (19 de maio) completa 70 anos, faz parte do time dos gênios.
Para muitos, Pete Townshend é sinônimo de The Who e nada mais. Engano grave! A obra de Townshend não se resume a óperas-rock e clássicos adolescentes como I Can’t Explain ou Anyway, Anyhow, Anywhere. Também não fica apenas nos experimentos eletrônicos de Baba O’Riley ou We Won’t Get Fooled Again, e muito menos se restringe a personagens como Tommy. Ele trabalhou em editoras, teve um dos melhores websites do mundo e aventurou em muitos outros caminhos artísticos.
Para comemorar a data há o lançamento de uma nova coletânea com canções de sua discografia solo e duas novas composições. Mas disso falamos mais adiante.
Townshend não tinha um parceiro. Ele é/era uma fusão de personalidades – que em outras bandas eram representadas por duplas como Lennon e McCartney e Jagger e Richards. Portanto, sua evolução é impressionante. Do rapaz que escrevia canções para o público Mod até o homem que expunha suas amarguras em canções como Slit Skirts, do álbum All The Best Cowboys Have Chinese Eyes.
Se discos como Quadrophenia, Tommy, Who’s Next e Who By Numbers, são sempre lembrados quando se fala de Townshend, é a excelência de sua carreira solo que gostaria de destacar (é muito fácil falar do The Who, até mesmo para quem conhece a banda apenas pelas aberturas da série CSI). Pode parecer estranho que esse narigudo de voz anasalada se arriscasse em trabalhos sem a segurança do vozeirão de Roger Daltrey ou do talento do amigo John Entwistle, mas quem conhece algum dos demos que ele entregava a banda sabe que as canções já vinham praticamente perfeitas e que em algumas delas (Love Reign O’er Me, para citar um exemplo) seus vocais eram (quase) tão bons quanto os de Daltrey.
A força do seu talento também pode ser medida pela quantidade de nomes que aceitaram fazer parte de seus projetos ou que o recrutaram. Eric Clapton, Paul McCartney, David Gilmour, Charlie Watts,Phil Collins, Paul Weller, Bill Wyman, Nina Simone, John Lee Hooker e muitos outros. Só fera!
Carreira solo
Se o seu primeiro disco – Who Came First (1972) – é um apanhado de demos do abortado projeto Lifehouse (que acabou tendo canções aproveitadas no clássico Who’s Next) e de músicas que gravou para o seu mestre espiritual (Meher Baba), o resto de sua produção solo mostrou que o The Who não era o veículo apropriado para muitas de suas composições.
Rough Mix (1977), gravado em parceria com Ronnie Lane (do Small Faces), já mostrava que o talento de Pete não podia ficar preso nas paredes do The Who. A maioria das canções tinham um elemento folk e mesmo as mais pops (Keep Me Turning) não se encaixariam no rock de Keith Moon & Cia. Difícil imaginar que uma melodia e um arranjo tão melodicamente intricado como o de Street in the City pudesse fazer parte de algum dos álbuns de uma das bandas mais barulhentas do mundo.
Em 1980 Townshend lança aquele que ele mesmo considera seu primeiro disco solo e que, para muita gente boa, é seu melhor disco (discordo): Empty Glass, um disco cheio de álcool, solos de guitarra e uma boa dose de raiva. A maioria das canções foi composta e gravada na mesma época que o The Who preparava o material para o disco Face Dances, o que deixa muito claro que a esta altura da vida Townshend (mesmo que inconscientemente) já separava seu melhor material para si e não mais para sua banda. Surpreendentemente o single de maior sucesso do disco (Let My Love Open The Door) é uma canção de amor que não representa o espírito do disco, recheado de bons rocks como Gonna Get Ya, Cat’s in the Cupboard, Jools and Jim e a canção-título.
Então chega o ano de 1982 e com ele All The Best Cowboys Have Chinese Eyes, o trabalho mais profundo e bem produzido pelo artista até então. O disco veio acompanhado do lançamento de um vídeo (VHS) com clipes das canções Prelude, Face Dances, Pt. 2, Communication, Uniforms, Stardom in Acton, Exquisitely Borede Slit Skirts. Era a época da MTV.
O disco foi um dos que mais causou impacto na minha vida, primeiro pelas melodias e arranjos (não sabia inglês naquela época) e depois pelas letras. Até hoje tenho certeza de que o segundo verso de Slit Skirtsfoi escrito para mim.
Let me tell you some more about myself, you know I’m sitting at home just now. The big events of the day are passed and the late TV shows have come around. I’m number one in the home team, but I still feel unfulfilled. A silent voice in her broken heart complaining that I’m unskilled.
And I know that when she thinks of me, she thinks of me as him, But, unlike me, she don’t work off her frustration in the gym.
Recriminations fester and the past can never change A woman’s expectations run from both ends of the range
Once she walked with untamed lovers’ face between her legs Now he’s cooled and stifled and it’s she who has to beg
Mas a qualidade do material de Chinese Eyes é a comprovação da genialidade ambiciosa de Townshend (que foi massacrado pelos críticos por ser muito pretensioso). Todas as canções são de um nível tão alto que é praticamente impossível destacar alguma. Um disco para se levar para uma ilha deserta!
Depois de Chinese Eyes Pete ainda lançou White City: A Novel (1985), The Iron Man: The Musical by Pete Townshend (1989) e Psychoderelict (1993), voltando a flertar com a ópera-rock, teatro, literatura e até mesmo retomando o personagem principal do abortado e já mencionado projeto Lifehouse. Nesses discos há melodias letras e arranjos que poderiam criar um ótimo álbum duplo, já que em todos eles há momentos onde a inspiração não mantém a mesma pegada, mas músicas como Give Blood, Face the Face, Secondhand Love, White City Fighting, A Friend Is a Friend, Was There Life, A Fool Says…, English Boy, Let’s Get Pretentious, I Want That Thing, Predictable e Fake it, precisam ser citadas.
Além dos discos de carreira, Pete fez a felicidade dos fãs abrindo seus arquivos e lançando uma série de discos com demos e canções inéditas chamados Scoop. São três volumes até agora e ainda há muito para ser revelado. Scoop (1983) e Another Scoop (1987) têm algumas preciosidades imperdíveis.
Coletânea e novas canções
Como disse no início do texto, uma nova coletânea – Truancy: The Very Best of Pete Townshend – que traz 15 sucessos e duas novas composições de Townshend chega ao mercado no fim do mês. A seleção pode até ser questionável – Street in the City e Slit Skirtsficaram de fora, por exemplo -, mas a remasterização feita em Abbey Road promete um ganho na qualidade de som bastante considerável. Outra boa notícia é que esse lançamento é só o primeiro de uma série que vai rever toda a discografia solo do criador de Tommy, que deve chegar ao mercado no ano que vem.
Tracklist
Pure And Easy (from Who Came First)
Sheraton Gibson (from Who Came First)
Let’s See Action (Nothing Is Everything) (from Who Came First)
My Baby Gives It Away(from Rough Mix)
A Heart To Hang On To (from Rough Mix)
Keep Me Turning (from Rough Mix)
Let My Love Open The Door(from Empty Glass)
Rough Boys(from Empty Glass)
The Sea Refuses No River(from All The Best Cowboys Have Chinese Eyes)
Face Dances (Pt. 2)(from All The Best Cowboys Have Chinese Eyes)
White City Fighting (from White City)
Face The Face(from White City)
I Won’t Run Anymore (from The Iron Man)
English Boy (from Psychoderelict)
You Came Back (from Scoop)
Guantanamo (Inédita)*
How Can I Help You (Inédita)*
Provavelmente Pete Townshend será sempre lembrado pelo seu legado com o The Who (com que continua gravando e fazendo shows pelo mundo), mas quem quiser realmente entender a grandeza de sua obra os Spotifys da vida estão aí para ajudar.
Ainda sonho com o dia de ver Townshend no palco (no Brasil ou em qualquer lugar).
O filme Não Olhe Para Trás, estrelado pelo grande Al Pacino e que ainda está em cartaz em alguns cinemas do Rio de Janeiro, me faz pensar em como uma carta de um ídolo pode mudar a nossa vida. O longa está longe de ser uma obra-prima, mas tem elementos que tocam muita gente, em especial este que vos escreve.
A história gira em torno de Danny Collins, um cantor de pop/rock/folk que vive de sucessos do passado e que sempre viveu num estilo um pouco caricato do rock star dos anos 70, com muitas mulheres e drogas, e que descobre que, em 1971, John Lennon leu uma entrevista sua e escreveu uma carta para ele com elogios e até mesmo com o número de telefone para um possível bate-papo. O problema é que esta carta nunca foi entregue e Danny só soube da sua existência agora, 40 anos depois do ocorrido. Esse evento serve como pano de fundo para que ele tente melhorar a sua vida, um tema mais que batido, mas que é bem conduzido pelo diretor Dan Fogelman.
Outro ponto alto do filme é a ótima atuação do elenco de apoio – Christopher Plummer, Annette Bening, Bobby Cannavale e Jennifer Garner – que mesmo com algumas falas e cenas não muito bem construídas consegue manter a bola quicando em bom nível.
O que me tocou mais no filme foi, é claro, a coincidência de também ter recebido correspondências escritas pelo ex-Beatle e pensar na possibilidade de que alguma dessas correspondências pudesse ter se extraviado por conta de um carteiro desleixado ou de algum outro evento.
Ver aquele desenho característico que Lennon usava quase como assinaturaemocionou, principalmente pelo fato de poder olhar para alguns deles todos os dias. Imaginar o quão a minha vida seria diferente sem esses cartões postais é algo desafiador, mas ainda bem que não é preciso.
Burocracia e regras mal feitas geralmente não geram bons resultados. Falta de um mínimo de visão também. Dito isso, vamos ao que realmente interessa: em tempos onde todos se preocupam com o bem estar, vida saudável e em consumir alimentos menos nocivos à saúde, o Ministério da Agricultura barra um refrigerante que parece ser uma alternativa aos sabores tradicionais (com muito açúcar) e aos diets/light, que são compostos por substâncias muitas vezes controversas.
O caso poderia passar batido caso não tivesse o nome Coca-Cola. O refrigerante em questão é a Coca-Cola Life, que vem com uma mistura de açúcar com extrato de folhas de stevia, um adoçante natural. A bebida já existe até em países vizinhos como a Argentina e Chile.
Não sei se o goto é bom ou ruim, mas tenho certeza que privar os brasileiros que consomem refrigerantes de uma opção mais saudável não é inteligente.
Leia a matéria abaixo e entenda mais a questão.
Os consumidores começaram a ver a Coca-Cola Life, dona de uma embalagem verde que a diferencia, nas prateleiras das lojas dos Estados Unidos nesta semana, afirmou a Coca-Cola.
A versão de cola com calorias reduzidas, adoçada com açúcar de cana e stevia, já foi lançada na Argentina (veja comerciais abaixo), Chile e Grã-Bretanha. Nos Estados Unidos, o produto será inicialmente distribuído em unidades do The Fresh Market na Georgia, Carolina do Norte, Carolina do Sul e partes da Flórida. A Life estará disponível nacionalmente em outubro, garantiu a companhia.
A Coca planeja realizar fortes ações de sampling do novo produto, com mais de quatro mil eventos planejados pelo país. A Life também será promovida pela rede de painéis digitais da Coca-Cola. Uma porta-voz da marca se recusou a dar detalhes sobre os planos de marketing da marca ou relacionamento com agências.
“Fundamentalmente, queremos ser líderes nesse segmento emergente e a Life é nosso primeiro esforço para tornar isso realidade”, declarou Andy McMillin, vice-presidente da marca Coca-Cola para a América do Norte, referindo-se ao desejo dos consumidores por refrigerantes de baixa caloria.
As circunstâncias foram tristes – a morte do grande JJ Cale (26 de julho de 2013) -, mas o resultado foi absolutamente brilhante. Eric Claptonand Friends: The Breeze, An Appreciation of JJ Cale é, disparado, o melhor trabalho de Eric Clapton, em estúdio, em mais de uma década (no mínimo). A preguiça que se via em seus últimos trabalhos ficou para trás e a vontade de homenagear um de seus grandes heróis simplesmente fez Slowhand se mexer para criar um disco digno.
Para esse tributo, Clapton convocou uma seleção de primeira. Para reproduzir o cantar calmo, sussurrado, até meio preguiçoso de Cale e seu timbre de guitarra, estão no disco nomes como Tom Petty, John Mayer, Willie Nelson, Albert Lee, Derek Trucks, David Lindley, Doyle Bramhall II, Don Preston, Jim Keltner, Nathan East e Mark Knopfler, entre outros.
As 16 canções (há uma edição Deluxe com as versões originais de Cale), mostram a força e a personalidade de um dos maiores compositores norte-americanos e que, surpreendentemente, não é tão conhecido assim em seu país.
“Eu estava ciente do fato que ele é mais conhecido na Europa e no resto do mundo do que nos Estados Unidos. Isso é ruim, mas também significa que eu tenho uma oportunidade de apresentá-lo as pessoas através das canções que eu gravei”, conta Clapton.
Quem é JJ Cale
Só para situar aqueles que não sabem quem é JJ Cale e qual a sua importância na obra de Clapton, é preciso dizer que dois dos maiores sucessos do Deus Da Guitarra são de autoria dele (After Midnight e Cocaine) e que outra das canções mais conhecidas do guitarrista teve sua inspiração nas composições e acordes de Cale (Lay Down Sally).
Só as canções citadas no parágrafo anterior já deveriam ser suficientes para despertar os menos avisados, mas a carreira de John Weldon Cale é muito mais rica – procurem ouvir o disco Naturally (1972) e vocês entenderão o que digo -, mas a idolatria de Clapton era tão grande que ele chegou a dividir um álbum com Cale (The Road to Escondido, de 2006), simplesmente indispensável.
Uma homenagem digna Mas se The Road to Escondido é indispensável, faltarão adjetivos para descrever esse Eric Clapton and Friends: The Breeze, An Appreciation of JJ Cale. Ele é disparado o disco onde Clapton ficou menos confortável nos últimos tempos, o que é uma ótima notícia, já que o maior pecado de seus discos recentes tem sido uma preguiça confortável, uma sensação de que ele prefere ficar na sua zona de conforto e não se arriscar, que não produz música do padrão que sabemos que ele pode criar.
Como o próprio Clapton disse, eles só tinham duas opções: fazer um disco com leituras livres das canções de Cale ou produzir um álbum tentando reproduzir a sonoridade do guitarrista de Tulsa. Questões logísticas acabaram fazendo com que a segunda opção fosse a escolhida.
Os pontos altos são muitos, a começar pela canção que dá nome ao disco e que foi lançada originalmente no disco Naturally – citado anteriormente. Call Me The Breeze é daquelas típicas canções de estrada, que lembra muito os velhos filmes de perseguição de automóveis, como Comboio ou Agarra-me se Puderes, e que deixam o ouvinte com vontade de quero mais.
Aliás, a maioria das canções do álbum é marcada por uma economia (em duração e solos) que pode até incomodar um pouco aqueles que veem espaço para voos maiores. Porém, essa economia era uma das marcas registradas de JJ. Clapton fez bem em mantê-la.
Outros dois grandes momentos do disco são: Train To Nowhere (com Mark Knopfler e Don White) e Crying Eyes (com Christine Lakeland e Derek Trucks). Mas essa escolha de canções foi difícil e acredito que será bem diferente para cada ouvinte.
Resumindo: esse é daqueles lançamentos que não temos o direito de não ter.
Versão Deluxe
Para os colecionadores uma boa (ou má) notícia: a versão Deluxe, que custa merosUS$ 100, parece bem mais interessante que a lançada para o último álbum. A gravadora Surfdogparece que absorveu bem as críticas dos fãs/colecionadores e resolveu criar um pacote realmente atraente, apesar do preço. É a velha combinação de livro, CD, pendrive com versões digitais das canções, incluindo um álbum extra com as gravações originais de JJ Cale e a primeira versão de After Midnight, lançada somente em single e até agora nunca editada em CD.
Confira o vídeo sobre essa edição e a tracklist.
CD TRACKLISTS:
Eric Clapton & Friends -The Breeze (An Appreciation of JJ Cale)
Call Me The Breeze
Rock And Roll Records (feat. Tom Petty)
Someday (feat. Mark Knopfler)
Lies (feat. John Mayer)
Sensitive Kind (feat. Don White)
Cajun Moon
Magnolia (feat. John Mayer)
I Got The Same Old Blues (feat. Tom Petty)
Songbird (feat. Willie Nelson)
Since You Said Goodbye
I’ll Be There (If You Ever Want Me) (feat. Don White)
The Old Man And Me (feat. Tom Petty)
Train To Nowhere (feat. Mark Knopfler and Don White)
Starbound (feat. Willie Nelson and Derek Trucks)
Don’t Wait (feat. John Mayer)
Crying Eyes (feat. Christine Lakeland and Derek Trucks)
JJ Cale – Originals
Call Me The Breeze
Rock And Roll Records
Someday (Unreleased Demo)
Lies
Sensitive Kind
Cajun Moon
Magnolia
I Got The Same Old Blues
Songbird (Unreleased Demo)
Since You Said Goodbye
I’ll Be There (If You Ever Want Me)
The Old Man And Me
Train To Nowhere (Unreleased Demo)
Starbound
Don’t Wait
Crying Eyes
After Midnight (Original 1966 Version)
Deluxe Edition CD Box Set includes:
• Collectible edition box featuring image of JJ Cale’s iconic Harmony guitar
• Collector’s CD of Eric Clapton & Friends The Breeze (An Appreciation of JJ Cale)
• Collector’s CD of JJ Cale’s original versions from The Breeze. Including three unreleased songs.
• Also includes the original version of JJ’s “After Midnight” – not released since 1966
• One-of-a-kind custom JJ Cale USB Turnbuckle. Loaded with Eric Clapton & Friends The Breeze Hi-Definition tracks, MP3s of all songs featured on the 2 CDs, and Extensive Video Interview with Eric Clapton
• Six 8.5×11 Lithographs
• 20 page 9×12 book includes:
-Extended Liner notes
-Lyrics
-Exclusive Photos
PS: O disco estreou no número 2 da parada inglesa!
Desde 2010 que Paul McCartney resolveu olhar para trás e dar ao seu catálogo com o Wings um cuidado que deixou todos os fãs felizes e bem mais pobres. Os discos – relançados através da McCartney Archive Collection, que, além de trazerem um vasto material inédito, ainda são complementados com vídeos e livros de primeira linha em suas versões superdeluxe. Desde o pontapé inicial com o disco Band on the Run (1973), já foram resgatados os discos McCartney (1970), Ram (1971), Wings Over America (1976) e McCartney II (1980). Agora chegou a vez dos discos Venus and Mars (1975) e Speed of Sound (1976).
Os dois discos serão lançados ao mesmo tempo – 22 de setembro (UK) e 23 de setembro (USA) – e seguem o mesmo caminho dos títulos anteriores. Porém, talvez por preferência pessoal ou simplesmente por ser mesmo mais interessante e inspirado, a chegada do Venus and Mars causa bem mais ansiedade, seja pela qualidade das canções e pelo melhor material bônus, ou seja, por ser um dos discos com pior mixagem no catálogo de Sir Paul.
Os dois discos formaram a base do repertório para a turnê pelos Estados Unidos e que gerou o Wings Over America, além de consolidar o Wings como uma das grandes forças criativas e bem sucedidas nas paradas da década de 70. Canções como Letting Go, Rock Show, Silly Love Songse Let ‘Em In, são instantaneamente reconhecidas por qualquer um que conheça minimamente o som que era tocado naquela época ou nas FMs “adultas” de hoje.
Quase reatando com Lennon e gravando com John Bonham
Se Venus and Mars tem o climão de New Orleans (onde foi gravado quase na totalidade) e entrou para a história como o momento mais próximo de ter a parceria Lennon e McCartney reatada, Speed of Sound solidificou a volta de McCartney como força comercial.
Os highlights do material bônus são: Going To New Orleans (My Carnival), Let’s Love, Baby Face e 4th Of July, do Venus and Mars; e Must Do Something About It (com Paul no vocal) , She’s My Baby (demo) e Beware My Love (com John Bonham na bateria), do Speed of Sound; todas nunca lançadas oficialmente.
Além disso, as filmagens das gravações da canção My Carnival e as cenas de Paul e Linda no Mardi Grass prometem.
Abaixo os setlists dos dois lançamentos em seus vários formatos (CD duplo, vinil duplo, box deluxe e versão digital).
PS: Os preços ainda podem variar muito nestes momentos de pre-order, mas pode esperar algo em torno dos US$ 100.
VENUS AND MARS
CD 1 – Remastered Album
1. Venus and Mars
2. Rock Show
3. Love In Song
4. You Gave Me The Answer
5. Magneto and Titanium Man
6. Letting Go
7. Venus and Mars – Reprise
8. Spirits Of Ancient Egypt
9. Medicine Jar
10. Call Me Back Again
11. Listen To What The Man Said
12. Treat Her Gently – Lonely Old People
13. Crossroads
CD 2 – Bonus Audio
1. Junior’s Farm
2. Sally G
3. Walking In The Park With Eloise
4. Bridge On The River Suite
5. My Carnival
6. Going To New Orleans (My Carnival)
7. Hey Diddle [Ernie Winfrey Mix]
8. Let’s Love
9. Soily [from One Hand Clapping]
10. Baby Face [from One Hand Clapping]
11. Lunch Box/Odd Sox
12. 4th Of July
13. Rock Show [Old Version]
14. Letting Go [Single Edit] DVD – Bonus Film
1. Recording My Carnival
2. Bon Voyageur
3. Wings At Elstree
4. Venus and Mars TV Ad
SPEED OF SOUND
CD 1 – Remastered Album
1. Let ‘Em In
2. The Note You Never Wrote
3. She’s My Baby
4. Beware My Love
5. Wino Junko
6. Silly Love Songs
7. Cook Of The House
8. Time To Hide
9. Must Do Something About It
10. San Ferry Anne
11. Warm And Beautiful
CD 2 – Bonus Audio
1. Silly Love Songs [Demo]
2. She’s My Baby [Demo]
3. Message To Joe
4. Beware My Love [John Bonham Version]
5. Must Do Something About It [Paul’s Version]
6. Let ‘Em In [Demo] 7. Warm And Beautiful [Instrumental Demo]
DVD – Bonus Film
1. Silly Love Songs Music Video
2. Wings Over Wembley
3. Wings In Venice
Alguns atores são inesquecíveis, muitas vezes mais por nossa memória afetiva do que pelo seu talento. James Garner era um desses casos. Embora tenha protagonizado ótimas sérias como Marverick (1957 – 1962) e Arquivo Confidencial (1974 – 1980) e alguns bons filmes – Victor ou Victoria (1982); O Romance de Murphy (1985) e Cowboys do Espaço (2000) – Garner sempre manteve aquele ar de canastrão simpático, o que lhe dava um charme especial para interpretar papéis cômicos.
A sua morte – assim como a de David Niven – é para ser lamentada por todos os que acham que cinema e televisão são, antes de tudo, entretenimento. Garner era a síntese do descompromisso (ou compromisso em divertir).
Vou lembrar com saudades dos episódios de Arquivo Confidencial que assisti quando era um adolescente.
Depois de visitas anuais iniciadas em 2010, parece que Paul McCartney vai dar um descanso aos bolsos de seus fãs brasileiros em 2014 (pelo menos até a Copa). Até o momento já foram confirmados shows no Chile, Peru, Equador e Costa Rica. Além dessas apresentações, ainda há chance dele se apresentar no Uruguai (show confirmado para o dia 19 de abril).
Como sempre acontece, Paul gravou mensagens para convocar os fãs para seus shows. O interessante é que na chamada do Chile o primeiro frame mostra a minha imagem com a camisa do Liverpool (de novo). Já estou pensando em cobrar direito de imagem.
Abaixo as datas e os vídeos que Paul fez para cada apresentação.
19 de abril – Estádio Centenário – Montevidéu – Uruguai
21 e 22 de abril – Arena Movistar – Santiago – Chile 25 de abril – Estádio Nacional – Lima – Peru 28 de abril – Estádio de Liga – Quito – Equador 1 de maio – Estádio Nacional – San Jose – Costa Rica
Henry McCullough, de 70 anos, recrutado por Paul McCartney para ser o primeiro guitarrista da sua banda pós-Beatles, Wings, sofreu um ataque do coração em 2012 que ocasionou perda de oxigênio no cérebro, deixando-o em uma cadeira de rodas e sem conseguir falar pelo resto da vida. Ao contrário do que poderia se esperar, não foi Paul, mas sim o também músico Van Morrison quem ajudou a família do guitarrista, financiando uma reforma na casa onde McCullough e sua esposa vivem.
Van Morrison pode até não ter muito talento (há controvérsias), mas, com certeza, tem um bom coração.
Para quem não sabe quem é McCullough, é dele o solo da canção My Love(um dos grandes sucessos do Wings) e da frase “I don’t know, I was really drunk at the time”, ouvida no fim da canção Money, do Pink Floyd.
PS: Todas as piadas internas sobre “Van” foram para o amigo Antonio Carlos Ramos.
Todos os elementos que alguém que conheça o gênero de ação, não importa a idade, estão lá: a família feliz que é destruída, o traficante malvado, o policial bom, o policial corrupto, a defesa dos mais pobres e oprimidos, o desejo de vingança e a matança sem remorso.
7. Warm And Beautiful [Instrumental Demo]
