Grupo utiliza a mesma fórmula do excelente Good Times (2016), mas sem o mesmo resultado
Assim como Eric Clapton, que brindou seus fãs com o fantástico Happy Xmas, seu primeiro disco natalino, os Monkees também atiraram na mesma direção com o seu Christmas Party – lançado pela gravadora Rhino e disponível no Brasil (como sempre) apenas nas plataformas de streaming – para conseguir a sua edição em CD clique no link.
Infelizmente, apesar de não ser um disco ruim, fica muito longe da qualidade do lançado por Clapton e do próprio lançamento anterior da banda.
Seguindo a mesma fórmula utilizada em Good Times (e até o mesmo produtor, Adam Schlesinger), o novo trabalho traz canções compostas por grandes nomes do pop especialmente para a banda — Peter Buck (REM), por exemplo — clássicos natalinos, composições próprias e sobras de estúdio, que permitem reviver a voz de Davy Jones.
Mágica em fagulhas
Apesar do ótimo trabalho gráfico e dos clipes bastante interessantes (com visual de histórias em quadrinhos), falta o básico: a magia da música em todas as faixas.
Algumas canções até funcionam bem individualmente, mas fica a sensação de que algo se perdeu na tradução.
A festa natalina dos Monkees até começa bem. As duas primeiras canções — Unwrap You at Christmas e What Would Santa Do — dão a impressão de que ouviremos algo como um Good Times 2, mas o disco não mantém o nível.
Mele Kalikimaka, uma das duas canções de Davy Jones — gravadas originalmente para o seu disco de Natal, lançado nos anos 70, e que ganharam novos arranjos — tem algum charme havaiano, mas não se encaixa muito bem no espírito dos Monkees.
Aliás, somente Micky Dolenz parece ter se comprometido com o projeto. Peter Tork aparece apenas em uma faixa — Angels We Have Heard On High — e Michael Nesmith contribui com vocais em dois clássicos natalinos, sem muito entusiasmo, parece.
O repertório é irregular, mas o resgate de canções como Wonderful Xmastime (de Paul McCartney) mostrou-se uma jogada esperta e de qualidade.
Mais curioso ainda é a escolha da canção Merry Christmas, Baby para fechar o álbum. O blues ganhou um tempero pop, mas que perde para a versão lançada recentemente por Eric Clapton em seu álbum natalino.
Não dá para competir com Clapton quando se fala de blues!
Um grupo singular
Os Monkees foram (e são) mesmo um grupo singular. Os atores/músicos que, em 1967, venderam mais discos que os Beatles e os Rolling Stones juntos no mercado americano, passaram por problemas internos, um bom período de ostracismo e alguns retornos triunfantes.
O sucesso inesperado de Good Times — chegou ao Top 20 da Billboard — e as ótimas críticas recebidas pelos shows que Micky, Mike e Peter realizaram pelos Estados Unidos criaram uma pequena Monkeemania de volta.
Não era difícil prever que a banda (e a Rhino) aproveitaria essa onda para lançar novos produtos.
Christmas Party é uma saída rápida e fácil para manter a chama acessa. Pena que ele esteja disputando mercado com uma série de lançamentos de grandeza maior.
Neste Natal os fãs do rock têm uma série de grandes lançamentos para escolher — Beatles,Elvis, Stones, Eric Clapton, Paul McCartneye Bruce Springsteen, para citar só alguns — e os Monkees podem acabar não sendo uma prioridade.
Um bom Natal
Christmas Party é um disco sem muita unidade. Serve para animar uma festinha de Natal com os amigos e até pode contribuir com uma ou duas faixas em futuras coletâneas da banda, mas está longe de ser memorável.
É como se fosse um Natal daqueles sem presentes caríssimos, mas no qual você sabe que não vai ganhar uma lembrancinha.
Confessin’ The Blues é uma coletânea com clássicos do blues escolhidos pelos membros dos Stones
Os Rolling Stones, que antes de se tornarem a maior banda de rock de todos os tempos eram mais uma banda que fazia covers de clássicos do blues, não perdeu a sua essência.
Dois anos depois do excelente Blue & Lonesome, onde recriavam algumas das suas canções favoritas do blues, os Stones enveredam novamente pelos campos de colheita de algodão dos Estados Unidos com o lançamento de Confessin’ The Blues, uma coletânea de canções de artistas que são ícones do gênero.
O repertório escolhido por Ron Wood, Keith Richards, Mick Jagger e Charlie Watts não poderia ser mais certeiro. Elmore James, B.B King, Howlin’ Wolf e John Lee Hooker são alguns dos nomes que aparecem nas 42 faixas do CD duplo.
Capa caprichada
Clique na imagem e encomende a sua cópia
Confessin’ The Blues ganhou, além do repertório, um trabalho cuidadoso no campo visual. Aproveitando o talento de Ron Wood como pintor, a banda decidiu colocar um de seus desenhos na capa do CD/vinil.
A ideia por trás do projeto é educar as novas gerações sobre um gênero que, infelizmente, não tem tanto espaço nas rádio, TVs e serviços de streaming.
Para isso, a banda decidiu doar 10% dos lucros com a venda do álbum para a Willie Dixon’s Blues Heaven Foundation, uma organização sem fins lucrativos baseada nos Estados Unidos.
Disco 1 1. Rollin’ Stone – Muddy Waters
2. Little Red Rooster – Howlin’ Wolf
3. Boogie Chillen – John Lee Hooker
4. I Hate to See You Go – Little Walter
5. Little Queenie – Chuck Berry
6. You Can’t Judge A Book By It’s Cover – Bo Diddley
7. Ride ‘Em On Down – Eddie Taylor
8. I’m A King Bee – Slim Harpo
9. All Your Love – Magic Sam
10. Dust My Broom – Sonny Boy Williamson
11. Just Your Fool – Little Walter
12. I Want to Be Loved – Muddy Waters
13. Key to the Highway – Big Bill Broonzy
14. Love In Vain Blues – Robert Johnson
15. You Gotta Move – Mississippi Fred McDowell
16. Bright Lights, Big City – Jimmy Reed
17. Worried Life Blues – Big Maceo Merriweather
18. Everybody Knows About My Good Thing (Pt. 1) – Little Johnny Taylor
19. Commit a Crime (1991 Chess Box Version) – Howlin’ Wolf
20. I Can’t Quit You Baby – Otis Rush
21. Confessin’ the Blues (with Walter Brown) [Single Version] – Jay McShann
Disco 2
1. Just Like I Treat You – Howlin’ Wolf
2. I Got to Go – Little Walter
3. Carol – Chuck Berry
4. Mona – Bo Diddley
5. I Just Want to Make Love to You – Muddy Waters
6. Blues Before Sunrise – Elmore James & The Broom Dusters
7. Bad Boy – Eddie Taylor
8. Boogie Children – Boy Blue
9. Little Rain – Jimmy Reed
10. Stop Breakin’ Down Blues – Robert Johnson
11. The Prodigal Son – Reverend Robert Wilkins
12. Hoodoo Blues – Lightnin’ Slim
13. Don’t Stay Out All Night – Billy Boy Arnold
14. Crawdad. – Bo Diddley
15. Suzie Q – Dale Hawkins
16. Down The Road Apiece – Amos Milburn
17. Little Baby – Howlin’ Wolf
18. Blue and Lonesome – Little Walter
19. Rock Me Baby – B.B. King
20. Damn Right I Got The Blues – Buddy Guy
21. Mannish Boy – Muddy Waters
Novas mixagens, demos e outtakes revelam um universo paralelo dos Beatles em 1968
Já se passaram alguns dias desde o lançamento da caixa comemorativa dos 50 anos doÁlbum Branco, tempo mais que suficiente para várias audições de todo o material e para tirar algumas conclusões.
Remix, demos e outtakes
Clique e encomende a sua cópia
A nova edição é dividida em compartimentos – o remix feito por Giles Martin e o engenheiro de som Sam Okell, os demos gravados pelo grupo no bangalô de George Harrison (em Esher), outtakes e ensaios das canções e, claro, a mixagem original em mono.
Difícil dizer o que é mais impactante. Portanto, vamos por partes, como diria Jack.
A nova mixagem
Primeiro vamos deixar claro que, ao contrário do que aconteceu com a caixa do disco Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, que se baseou na mixagem original mono – a única na qual os Beatles e George Martin estiveram envolvidos – para o Álbum Branco foi usada como modelo a mixagem estéreo, com todas as suas falhas e erros.
Dito isto, vamos ao que interessa.
Cozinha quente
Para resumir, a grande diferença na nova mixagem é o maior peso do baixo e da bateria. A cozinha formada por Paul McCartney e Ringo Starr ganhou maior destaque em quase todas as faixas, onde ficavam mais ao fundo, provavelmente por conta das limitações técnicas da época.
Mas não é apenas isso. Há muitos fades que ficaram mais longos e instrumentos que estão bem mais claros e destacados, surpreendendo quem já conhece o disco.
Um bom exemplo disso é While My Guitar Gently Weeps, onde a guitarra de Eric Clapton está mais baixa, mas é possível ouvir melhor as notas tocadas por Deus.
Porém, a maior diferença fica mesmo por conta de outra composição de George Harrison: Long, Long, Long. A canção, que na sua versão original tem um clima sombrio e um volume bastante baixo, ganhou punch e destaque no vocal de George. O resultado é bastante diferente das versões lançadas anteriormente.
Há diferenças bastante nítidas em várias outras canções como Honey Pie, Dear Prudence e Helter Skelter. Dizem até que é possível detectar diferenças em Revolution 9, mas isso eu deixo para os meus bravos leitores.
Na verdade, a impressão é a de que Martin e Okell fizeram questão de deixar sua marca em todas as canções, sempre com um acorde de guitarra ou violão, um martelar no piano ou backing vocal com alguma diferença que vai surpreender os fãs.
Esher Demos, o primeiro Unplugged
George fotografado na sua casa em Esher
Esher é a localidade onde George Harrison vivia com a esposa Pattie em um bangalô que, segundo relatos, era bem pouco confortável. Foi lá que os quatro Beatles se reuniram para gravar demos das canções compostas na Índia, durante sua estadia com o guru Maharishi Mahesh Yogi.
Reza a lenda que 1968 marcou o início do fim da banda, mas o que se ouve nesses demos é reveladoramente diferente. Para início de conversa, a qualidade de som das gravações feitas no equipamento portátil de George Harrison é absurdamente boa e apresentada aqui em estéreo
Também merece registro que, apesar de mutas dessas gravações já circularem entre os colecionadores faz anos, aqui estão todos os registros, editados na ordem do disco, além de todas as que não fizeram parte do Álbum Branco.
Para finalizar, o clima parece mais que alegre, com várias músicas já praticamente prontas. Na verdade, se algumas delas fossem lançadas nessas versões acústicas, não fariam feio.
Clique e encomende a versão nacional (tripla)
Mais que as canções lançadas pelos Beatles no White Album, merecem uma audição atenciosa as sobras Child of Nature – que mais tarde ganhou nova letra de Lennon e foi rebatizada de Jealous Guy -, Jubilee – que foi lançada pr Paul McCartney como Junk –, além de Circles e Not Guilty – que receberam novos registros durante a carreira solo de George Harrison.
Há também canções que foram parar no disco Abbey Road, mas não vou contar para não acabar com a surpresa.
Outtakes e ensaios
Os destaques dessa partição são muitos, mas se tiver pouco tempo e quiser realmente ser impactado pelo que vai ouvir, vá logo para as versões de Good Night.
A canção de ninar escrita por Lennon e cantada por Ringo é de arrepiar nessas novas versões. A que conta com backing vocals de John, Paul e George (nunca antes ouvida) vale o disco inteiro.
Assim como nas demos, há muitas brincadeiras e risos registrados. Difícil imaginar que eles estavam se engalfinhado por qualquer motivo, mas é isso que a história (e eles mesmos) contam.
Não há como não gostar dos takes escolhidos pelo novo Martin. Martha My Dear (sem o arranjo de cordas) ganha novo sabor, assim como é interessante ouvir a evolução de While My Guitar Gently Weeps e as improvisações durante os takes de I Will, que acabaram gerando Los Paranoias e Can You Take Me Back?.
Há até uma versão embrionária de Let it Be, mas o melhor são mesmo as gravações das versões iniciais da base de canções que acabou criando o Álbum Branco.
O disco original tem 30 faixas e tecer comentários sobre cada um dos outtakes tornaria esse texto longo, longo, longo.
Melhor não, né?
Mixagem mono
Muita gente vai estranhar o porquê da minha preferência pela mizagem mono, algo que pode até soar antiquado, mas é importante ter em mente que em 1968 a maioria das pessoas ainda não possuia equipamentos estéro e por isso os Beatles só se envolviam nas mixagens feitas em mono.
As diferenças são enormes. Vão desde o avião de Back in the USSR, passa pela ausência das palmas em Ob-La-Di-Ob-La-Da, a inexistência do fade in e do grito de Ringo Starr ao final de Helter Skelter. Até os pássaros e porcos são diferentes em Blackbrd e Piggies, respectivamente.
Praticamente todas as canções têm diferenças em relação ao que o grande público está acostumado a ouvir. Então, vá lá ouvir o verdadeiro Álbum Branco.
Disco, o 26º da carreira de Weller, conta com participações de Martin Carthy e Danny Thompson, Conor O’Brien, Noel Gallagher e Lucy Rose
Clique e encomende a sua versão standard
Paul Weller é um veterano com mais de 40 anos de uma carreira muito respeitada e, no Brasil, pouco popular. Membro e principal força dos grupos The Jam e Style Council, Weller já navegou pelo rock, punk, new wave, pop, jazz, r&b e soul, sempre com maestria.
Agora, Weller lançou True Meanings — 26º disco da carreira ou 14º da carreira solo — um trabalho mais introspectivo e quase todo acústico.
Gravado no conforto de seu próprio estúdio, o álbum (lançado em setembro) pode até não estar entre os seus melhores, mas oferece ótimos momentos e vai crescendo a cada audição.
Climão folk
O folk é a principal influência do disco, até mesmo pelos convidados convocados por Weller. Martin Carthy e Danny Thompson, Conor O’Brien, Noel Gallagher e Lucy Rose são, na sua maioria, grandes nomes do gênero.
Mas o pop/jazz/soul não está ausente nesse novo trabalho. Logo na faixa de abertura — The Soul Searchers — a belíssima voz de Weller adorna uma melodia folk com toques do pop típico do inglês.
Talvez o momento mais belo e interessante do álbum seja Mayfly, canção que tem um sabor de r&b e blues com aquele tempero que só os britânicos sabem colocar em canções que poderiam ter sido criadas no interior dos Estados Unidos.
Marcas do tempo e David Bowie
Clique e encomende a versão deluxe
As rugas não escondem a idade. Aos 60, Weller parece mais reflexivo, mas não parece ter perdido o tesão e a inspiração para continuar como um dos nomes mais respeitados da cena inglesa desde os anos 80.
Outro momento interessante do disco é a homenagem que Weller faz ao camaleão David Bowie. Depois de alguns arranca-rabos, a dupla se entendeu e os dois acabaram se tornando bons amigos.
Agora, a homenagem sincera ao amigo chega na canção singelamente intitulada Bowie. Dá até para imaginar o camaleão ouvindo a canção e sorrindo lisonjeado.
Deluxe
True Meanings também pode ser encontrado em uma versão deluxe, com 5 faixas bônus, entre versões instrumentais e remixes e um libreto com 28 páginas.
Já a versão standard vem com 14 canções e um libreto de 12 páginas.
Em qualquer versão, True Meanings é um belo trabalho.
1. The Soul Searchers
2. Glide
3. Mayfly
4. Gravity
5. Old Castles
6. What Would He Say?
7. Aspects
8. Bowie
9. Wishing Well
10. Come Along
11. Books
12. Movin On
13. May Love Travel With You
14. White Horses
Depois de sete anos, Rowan Atkinson, o eterno Mr. Bean, volta a encarnar o Inspetor Clouseau dos agentes secretos
Alguns personagens colam nos artistas e mesmo que venham a ter outros papeis de destaque, sempre serão lembrados por eles. Sean Connery será sempre o 007, assim como Peter Sellers será sempre ligado ao inspetor Clouseau e Rowan Atkinson ao Mr. Bean.
Atkinson, hoje uma instituição britânica, volta a desfilar o seu humor clássico na nova aventura do agente secreto do MI 7, Johnny English, cuja última aparição nas telonas já faz sete anos.
Johnny English 3.0 (Johnny English Strikes Back, no original em inglês) é uma comédia da velha guarda. Há momentos nos quais é impossível não lembrar de filmes como Corra Que a Polícia Vem Aí, A Pantera Cor de Rosa e, claro, os filmes anteriores da franquia.
Analógico
O humor do longa é analógico, assim como o seu enredo. Aposentado e dando aulas para alunos de uma escola primária, English é reconvocado para o seu antigo posto de agente secreto depois de um ataque cibernético que revelou a identidade de todos os agentes em atividade.
Ele precisa descobrir a identidade do vilão e neutralizar a ameaça. A história não é lá muito nova ou criativa, mas é o veículo perfeito para as caretas e confusões de Bean, digo, English, e seu fiel escudeiro, o agente Bough (Ben Miller).
Bond Girl
Outra característica dos agentes secretos ingleses é a presença de belas figuras femininas em seus filmes. Dessa vez, English (re)aproveitou o talento de Olga Kurylenko (um dos pares românticos de Daniel Craig em 007 Quantum of Solace).
E, acredite, uma relação entre os dois parece tão improvável que você chega até a torcer pelo herói. Mais estranho ainda, a dupla tem uma boa química e timing humorístico.
Inocência e algumas (boas) risadas
No fim das contas, entre qualidades e defeitos, Johnny English 3.0 cumpre o seu papel, que é tirar risadas do público, mesmo em gags que os mais velhos vão achar familiares.
Mas é um filme onde há Rowan Atkinson e isso garante sempre algum bom momento (preste atenção na cena onde ele usa a realidade virtual).
Além de Atkinson, Kurylenko e Miller, o filme ainda conta com a luxuosa participação de Emma Thompson, como a primeira-ministra da Inglaterra, que faz o tradicional papel do superior que não acredita na capacidade de seu comandado.
O filme vai virar uma boa opção para as sessões da tarde e deve fazer sucesso nos canais a cabo. Vale a ida ao cinema se a ideia for esvaziar o cérebro ou dar algumas risadas antes do festival de lágrimas de Bohemian Rhapsody, que também entra em cartaz nesta quinta (1).
Bohemian Rhapsody, que chega amanhã aos cinemas, emociona e vai fazer muita gente cantar, apesar de algumas licenças poéticas
Deus salve a rainha!
Provavelmente, mesmo o mais punk dos britânicos se renderá à magia da história do Queen contada no longa Bohemian Rhapsody, que estreia nos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (1).
Bohemian Rhapsody é uma celebração exuberante do Queen, sua música e seu extraordinário cantor principal Freddie Mercury, que desafiou estereótipos e quebrou convenções para se tornar um dos artistas mais amados do planeta.
O filme mostra o sucesso meteórico da banda e a sua quase implosão.
Durante esse processo, foi consolidado o legado do grupo, um bando de desajustados.
Bismillah, que filme!
A direção (Dexter Fletcher) é afiada, assim como as atuações de Rami Malek (Freddie Mercury), Ben Hardy (Roger Taylor), Joseph Mazzello (John Deacon) e, principalmente, Gwilym Lee (Brian May).
— Quando você faz Freddie Mercury o dia todo, passa a ser Freddie Mercury — disse Malek em uma de suas entrevistas durante a divulgação de Bohemian Rhapsody.
Mas, se as atuações são irretocáveis (até os gatos têm boas atuações), o figurino maravilhoso, os efeitos especiais super realistas e, óbvio, a trilha sonora é sensacional, por que o filme não é perfeito?
A reposta está no roteiro. Não que ele seja ruim (muito pelo contrário), há ótimas tiradas de um humor tipicamente britânico, mas a necessidade de apresentar um Mercury mais doce e sem falar quase nenhum palavrão e as licenças poéticas/graves erros de cronologia, vão incomodar o fã mais atento.
E olha que Brian May e Roger Taylor estão entre os produtores executivos do filme!
O Brasil, particularmente o Rio de Janeiro, ganha cenas que vão deixar os brasileiros emocionados em saber da importância da apresentação do Rock in Rio (em janeiro de 1985) para a banda. Infelizmente, é aí que acontece o mais grave desses erros de cronologia.
O longa usa o emblemático momento de Love of my life cantado em uníssono no Rock in Rio como mote para a cisão fundamental na vida de Mercury. Porém, o momento é descrito como se tivesse acontecido muitos anos antes da data verdadeira.
Outra licença poética foi alterar a data na qual Mercury revelou aos companheiros que estava com Aids. Talvez para caber tudo nas 2h15min de duração, adiantaram em alguns anos esse evento — Mercury só seria oficialmente diagnosticado em 1987.
Galileo, Galileo, Galileo, Figaro
Até chegar por aqui, Bohemian Rhapsody passou por diversas mudanças. Uma delas, crucial. O ator britânico Sacha Baron Cohen (conhecido por sua atuação em Borat) viveria Mercury inicialmente, sob direção de Bryan Singer. Dexter Fletcher — que era a primeira opção, quando se começou a falar no filme, em 2010 — assumiu a direção e Malek incorporou Mercury.
Mas para quem quer um relato mais preciso da história da banda, melhor ler o livro 40 Years of Queen. Além da trajetória do Queen, traz uma boa quantidade de memorabilia. Peça a sua cópia aqui (em inglês).
Live Aid
Já a apresentação no Live Aid — em 13 de julho de 1985 — é o momento usado para unir toda a história. Iniciando e fechando o filme, o show no estádio de Wembley. Ganha um registro quase tão poderoso quanto o da performance verdadeira.
Para quem não lembra (ou sabe), o Queen estava longe de ser uma das atrações principais do evento. Porém, com o tombo de Pete Townshend e uma apresentação burocrática do The Who, os desafinos do Duran Duran, a péssima noite do Led Zeppelin, o microfone desligado de Paul McCartney e a embaraçosa performance de Bob Dylan, Keith Richards e Ron Wood, foram Freddie & Cia e o U2 quem roubaram a cena.
Aliás, o áudio do show é a cereja do bolo da trilha sonora do filme, já que jamais havia sido lançada oficialmente. Mas não deixe de ouvir as outras canções. Você vai correr para elas assim que sair da sessão.
Como não querer escutar Don’t Stop Me Now, Somebody To Love, Crazy Little Thing Called Love ou Under Pressure em um looping infinito?
Clássicos
Bohemian Rhapsody (o filme) é também uma celebração da música criada pelo quarteto. Momentos da criação de clássicos como We Will Rock You, Another One Bites the Dust, Bohemian Rhapsody (claro) e outras canções icônicas estão lá.
Com certeza, as salas de cinema farão com que muita gente solte a voz — principalmente os desafinados — em volumes bem maiores que o recomendado, para desespero de quem quiser ouvir Freddie Mercury em todo o seu esplendor.
Pipoca e lenços
O filme não chega até os últimos dias do cantor — para no Live Aid, e apenas cita o que aconteceu depois. Não há nada sobre os discos da última fase da banda. Mas as lágrimas estão garantidas em grande parte das cenas.
Se a pipoca é a companhia inseparável para um bom filme, aconselho comprar também uma embalagem de lenços de papel. Eles serão muito necessários.
Freddie Mercury faleceu em 24 de novembro de 1991, aos 45 anos. Sua última aparição pública foi durante o BrittAwards, em 18 de fevereiro de 1990. Nesse período de um ano, viveu em reclusão, cercado apenas pela família e os amigos mais chegados. Foi na fase terminal da doença que Mercury gravou vocais para o Queen, que lançaria um disco inteiro póstumo.
Fãs tiveram a confirmação da doença a três dias de sua morte, por um comunicado oficial de “Miami” Beach, manager do Queen, feito a pedido do próprio Freddie Mercury.
Discos com canções natalinas são uma tradição na música pop. O difícil é se obter um resultado minimamente criativo.
Fazer com que clássicos como Have Yourself a Merry Little Christmas, White Christmas ou Silent Night soem novos é realmente um trabalho para um mestre.
Clapton conseguiu trazer essas canções para um universo onde reina. Blues, reggae, country e bons solos de guitarra fazem com que Happy Xmas seja um dos melhores discos de Clapton em décadas.
Os toques de blues que dão brilho a números como Christmas Tears, Lonesome Christmas, Merry Christmas Baby e White Christmas, mostram um Clapton em forma.
O charme brejeiro de Christmas in My Hometown ou os toques doces das baladas For Love on Christmas Day — a única composição original do álbum — e Sentimental Moments, tornam o disco irresistível logo na primeira audição.
Há momentos acústicos e outros que lembram a atmosfera do 461 Ocean Boulevard, por exemplo. O Clapton de 2018 é mesmo uma simbiose dos vários mutantes que passaram pelo corpo do guitarrista durante todos esses anos.
Quase perfeito
Mas nem tudo são flores no Natal claptoniano. A canção mais badalada do álbum — Jingle Bells (In Memory of Avicii) — tira a chance de dar ao álbum a cotação máxima.
A versão techno do clássico natalino é pobre e fica totalmente fora do contexto delicadamente bluseiro do disco.
Pode ter sido uma homenagem genuína ao DJ morto este ano e provavelmente vai ter gente dizendo que é a melhor coisa do disco, mas o resultado não deveria fazer parte deste projeto.
Bem de saúde
Os relatos sobre os problemas de saúde de Clapton — alguns deles dados pelo próprio músico — ficam para trás ao ler sobre suas últimas apresentações e ao ouvir esse novo trabalho.
Único músico membro três vezes do Hall da Fama do Rock — como membro do Cream, dos Yardbirds e como artista solo — ele se cercou de um time de amigos/craques que não deixam nenhuma gravação com qualidade menor que perfeita.
Só os nomes de Jim Keltner e Doyle Bramhall II garantem um brilhoso selo de qualidade.
Canções extras e versão não muito deluxe
Happy Xmas é composto por 14 canções, mas há outras duas músicas — A Little Bit of Christmas Love e You Always Hurt The One You Love — que serão lançadas em um single especial no Record Store Day e que não foram incluídas nem mesmo na versão deluxe do álbum.
Essa versão deluxe é outra bola fora (ainda maior que Jingle Bells). Nada de demos, canções extras ou versões originais dos clássicos, mas você pode ser o feliz proprietário de uma árvore de Natal de metal e rascunhos do desenho da capa (feitos por Clapton).
Mais um Grammy?
Eric Clapton já abocanhou 18 prêmios Grammy. Com Happy Xmas, ele tem grande chances de conseguir mais um.
Filha do ex-craque sérvio Dejan Petkovic lança o clipe de Na Fé, do ótimo CD Mais & Mais
Pode parecer estranho que a filha de um ex-esportista decida seguir pelo caminho da música, mas a escolha da jovem Ana Petkovic foi mais que acertada.
Nascida em Madri, a cantora, que se divide entre o Brasil e a Sérvia, onde mora e estuda, parece decidida a apostar na carreira.
— Como eu moro na Sérvia, durante o ano eu ficava um ou dois meses por aqui. Cada vez que eu vinha eu gravava três ou quatro músicas em uma semana. Agora, eu passo cerca de sete meses no Brasil e estamos planejando fazer vários shows no Rio e em São Paulo — contou Ana.
Em família
O disco Mais & Mais, lançado no fim do ano passado, segue sendo divulgado, agora com o lançamento do clipe da canção Na Fé (Ana, Línox e Max Viana).
Dirigido por Dado Marietti, o clipe foi rodado no Rio e conta com a participação da irmã (Ines), do namorado (Dusan Zdravkovic), além do próprio Petkovic, tocando um… tromPETe (com direito a todos os trocadilhos possíveis).
— Meu pai é o meu empresário e meu maior fã. Sempre que ele chegava em casa, depois dos treinos ou jogos, ele me pedia para cantar algo novo que eu havia escrito. Ele ama música e sempre vai aos ensaios e shows, mas não interfere no processo criativo. É muito legal ter um pai que apoia tudo — contou Ana.
Gol de placa
Mais & Mais é um daqueles discos onde tudo funciona. A produção de Linux e Max Viana é certeira, dando destaque ao suingue das ótimas composições que fazem parte do repertório.
Navegando entre o soul, pop, blues e jazz, a bela voz de Ana (que em alguns momentos lembra o timbre de uma tal Amy Winehouse) se encaixa perfeitamente na pegada balançada e nas canções mais lentas. Ouça Unforgivable e tire suas conclusões.
— Como tenho um gosto bastante eclético eu sempre coloco dois ou três estilos nas minhas composições — explicou.
O soul e os metais de números como Pensa Bem (Línox/ Max Viana / Ana Petkovic) e Encurralado (Línox e Mauricio Oliveira) mostram uma produção de primeira e, se colocadas ao lado de números mais lentos como Cada Dia (Línox/ Max Viana/Ana Petkovic) e Suenos (Línox/ Max Viana / Ana Petkovic), confirmam o gol de placa da artista.
Jogando nas 11
Outro ponto alto de Mais & Mais é a desenvoltura com a qual Ana muda do português para o inglês ou espanhol, mostrando que é mesmo uma cidadã do mundo.
— Eu morei no Brasil 14 anos. Eu cresci aqui. Mesmo morando na Sérvia eu nunca esqueci a língua. Tenho muitos amigos aqui. É engraçado, que aqui em casa em uma frase nós misturamos três línguas — confidenciou a cantora.
Ídolos surpresa
Uma das revelações mais surpreendentes sobre a versatilidade de Ana Petkovic veio quando perguntada sobre quem são seus ídolos e com quem gostaria de trabalhar.
— Ana Carolina e Alcione são artistas que eu admiro e com as quais gostaria de trabalhar — disparou.
Pelo menos quando comparadas com as canções que fazem parte de Mais & Mais, esses são nomes bem pouco prováveis.
CD campeão
Não há como fugir dos clichês futebolísticos. Afinal, Dejan Petkovic foi craque e marcou belos e decisivos gols pelo Fluminense, Vasco, Real Madrid e outros times de menor expressão pelos quais passou. Sua filha segue o mesmo caminho.
Cantor lança EP acústico com regravações de canções icônicas e divulga clipe da canção Maria, Maria
Um dos maiores talentos e uma das vozes mais privilegiadas da MPB, Milton Nascimentoestá de volta com o lançamento do EP A Festa, que traz versões acústicas de alguns de seus sucessos.
— Uma das minhas maiores vontades na vida era um dia poder lançar um projeto que tivesse minhas canções num formato mais acústico. E esse momento finalmente chegou! É com muita alegria que agora a gente tá lançando esse EP , com alguns de meus maiores sucessos acompanhado apenas pelo violão do meu maestro, Wilson Lopes, que já toca comigo há muitos anos. Foi tudo feito com muito carinho! — disse Milton.
Para quem acompanhou as duas últimas turnês de Milton, ficava evidente uma certa fragilidade (física e vocal) do artista. A voz, sempre poderosa e afinada, andou dando umas escorregadas, que parece ficaram para trás nestes registros. Uma ótima notícia para os fãs da boa música brasileira.
As canções
O Cio da Terra — Parceria de Milton com Chico Buarque, que fez sua estreia no LP Geraes (1976), O Cio da Terra ganhou um registro onde o arranjo de Wilson Lopes se destaca e dá mais brilho ainda a bela interpretação de Milton.
A nova versão é de uma delicadeza que rivaliza com a qualidade do registro original.
A Festa — Gravada por Maria Rita no seu disco de estreia (2003), A Festa ganha, finalmente, uma versão na voz de seu autor (outra escolha certeira).
Todos que imaginavam como a canção deve ter sido criada vão ficar mais que satisfeitos. Um dos pontos altos do EP.
Pôr do sol e aurora
Norte sul leste oeste
Lua nuvens estrelas e a banda toca
Parece magia e é pura beleza
E essa música sente e parece que a gente
Se enrola corrente e tão de repente você
Tem a mim
Maria, Maria — Uma das mais conhecidas e icônicas composições de Bituca, Maria, Maria é daquelas músicas difíceis de estragar e não seria o seu autor o responsável por fazê-lo. Talvez a necessidade de fazer algo diferente tenha atrapalhado um pouco.
É uma boa versão, mas o formato acústico e as mudanças de clima não melhoraram algo que é mesmo difícil de melhorar.
A canção ganhou um clipe dirigido por Matheus Senra e estrelado pelas atrizes Simone Mazzer, Jéssica Ellen, Zezé Motta, Camila Pitanga, Sophie Charlotte, Georgiana Góes e Arianne Botelho.
Beco do Mota — Provavelmente a menos feliz das gravações desse EP. Lançada no LP Milton Nascimento (1969), Beco do Mota não se beneficiou do formato acústico. Não chega a ser um mau registro, mas fica abaixo das demais canções do projeto.
Cuitelinho — Gravada pela primeira vez em 1983, no álbum Milton Nascimento ao Vivo, é o ponto alto do EP.
Composição tradicional, com origem no folclore do Pantanal de Mato Grosso do Sul, Cuitelinho é a prova definitiva de que uma boa música sempre pode ser melhorada. Bituca e Wilson Lopes mostram-se imbatíveis. É de ouvir sem parar.
Aí quando eu vim de minha terra
Despedi da parentaia
Eu entrei no Mato Grosso
Dei em terras paraguaia
Lá tinha revolução
Enfrentei fortes bataia, ai, ai, ai
A tua saudade corta
Como aço de navaia
O coração fica aflito
Bate uma, a outra faia
Os óio se enche d`água
Que até a vista se atrapaia, ai, ai, ai
Canção da América — Assim como Maria, Maria, Canção da América é uma das marcas registradas de Milton Nascimento. A parceria com Fernando Brant, imortalizada no disco Sentinela (1980), ganha nova vida.
Os backings de Milton (em substituição aos originais do Boca Livre) são lindos. Uma ótima maneira de terminar A Festa.
O Hawkwind, formado em 1969 na Inglaterra, lançou Road To Utopia , o seu 31° disco de estúdio. Tendo passado por diversas vertentes como hard rock, progressivo e rock psicodélico, a banda decidiu recriar várias de suas canções com a participação de uma orquestra.
Com arranjos criados pelo maestro Mike Batt e vários solos de ninguém menos que Eric Clapton (na faixa The Watcher), o Hawkwind consegue reoxigenar algumas canções que ainda mantêm sua força nas versões originais.
Para os que não conhecem a banda, vale uma pesquisada. Para os que já estão familiares com a sua obra, Road To Utopia é um disco interessante e desafiador.
22 Milhas, dirigido por Peter Berg, mistura referências e clichês de vários filmes consagrados
Uma equipe de elite cumprindo uma missão que não pode ser resolvida por mais ninguém; uma ameaça terrorista; uma pessoa que precisa ser levada de um ponto a outro, sendo seguida por assassinos bem armados, e um personagem que pode ou não ser um vilão.
Esse pequeno conjunto de fatores pode parecer familiar, e é.
Sendo assim, fica claro que 22 Milhas, novo longa dirigido por Peter Berg (O Grande Herói e O Dia do Atentado) e estrelado por Mark Wahlberg (Os Infiltrados, Ted e Uma Saída de Mestre), tem um roteiro bem pouco criativo.
Todos com mais de 30 anos já viram todos esses elementos em um grande número de longas que fizeram sucesso e não sei se precisamos de (re)ver tudo isso novamente.
Ah, não esqueçamos das inevitáveis reviravoltas no enredo.
Elenco de peso e edição nervosa
A produção não foi barata. O elenco — no qual ainda encontramos nomes como Lauren Cohan, Iko Uwais, Ronda Rousey e John Malkovich — é bem afiado, mas não consegue tirar a incômoda sensação de déja vu.
A edição e a montagem tentam (com algum sucesso) tornar a ação intensa, embora deixem as cenas um pouco picotadas demais.
A violência também não é pouca e deve agradar boa parte do público dos filmes de ação.
Misturando Bourne, Rambo e Bond
O herói interpretado por Wahlberg é uma pessoa cheia de tiques, com pouca interação social e habilidades que lembram Rambo, Jason Bourne e James Bond.
O funcionamento da equipe tem um quê de Missão Impossível e o fim do longa deixa claro a intenção de criar uma nova franquia.
Perseguições de automóveis, pancadaria e tecnologia tentam dar um ar de novidade e emoção ao filme, mas nada funciona muito bem.
Tela Quente
O resultado é um filme nervoso, confuso, com uma história pouco criativa e um gancho que pode levar (tomar que não) a uma continuação. Não chega a ser um desastre, mas é fácil de ser esquecido.
Algum dia, vai ser uma boa Tela Quente ou Temperatura Máxima.
Aos 92 anos, Bennett mostra que ainda domina a arte de escolher bons parceiros e boas canções em mais um disco fundamental, Love Is Here to Stay
Tony Bennett e Diana Krall não são desconhecidos um do outro, muito pelo contrário. Desde 1999 que os dois andam se esbarrando nos palcos e estúdios, tendo lançado canções nos discos Playin’ With My Friends (2001) e Duets: An American Classic (2006).
Em Love Is Here to Stay a dupla esbanja classe em certeiras 12 canções e econômicos 36 minutos, que devem ser aproveitados ao máximo pelo ouvinte, pois não há excessos ou escolhas equivocadas.
Gershwin na veia
A obra criada por George e Ira Gershwin já serviu de combustível para o lançamento de centenas de álbuns. Poucos com a categoria de Love Is Here to Stay, produzido por Dae Bennett e Bill Charlap.
Os arranjos, econômicos e muito elegantes, ficam por conta do Bill Charlap Trio — Bill Charlap (piano), Peter Washington (baixo) e Kenny Washington (bateria) — que faz um trabalho perfeito, destacando as vozes dos dois intérpretes.
Prêmios e recordes
Krall e Bennet são dois artistas reconhecidos pelo público e crítica pela qualidade de seus trabalhos. Os dois já ganharam uma quantidade considerável de prêmios Grammy.
Bennett é o único artista que, com 85 e 88 anos, respectivamente, teve álbuns debutando no primeiro lugar da Billboard, a parada norte-americana — Duets II e Cheek to Cheek (com Lady Gaga).
Já Diana Krall é a única artista de jazz a ter oito álbuns chegando em primeiro ligar na Billboard na semana de seu lançamento.
Para aumentar ainda mais a quantidade de prêmios de Bennet, Love Is Here to Stay já lhe rendeu mais um. No show de lançamento do disco, na última quarta-feira, 12 de setembro, em Nova York, Bennett foi homenageado pelo Guinness Book (o livro dos recordes).
O cantor, agora, é o artista mais tempo levou para fazer uma regravação de um single. Foram 68 anos e 342 dias (contando do dia 3 de agosto de 2018) entre a primeira vez que gravou Fascinating Rhythm — ainda sob o pseudônimo de Joe Bari — e o novo registro.
Um senhor esperto
Normalmente artistas mais veteranos vão perdendo espaço na mídia e relevância no mercado. Parece que 2018 veio para demolir essa verdade.
Assim como Paul McCartney — que emplacou um disco em 1º lugar na parada após 36 anos — Bennett mostra que qualidade ainda faz a diferença.
Mas não é apenas a longevidade da sua voz que faz de Bennett um fenômeno. Suas escolhas recentes têm sido acertadíssimas.
Desde 2014, quando convidou Lady Gaga para gravar um álbum — o maravilhoso Cheek to Cheek, um dos melhores discos dos últimos 20 anos e que também gerou um ótimo DVD ao vivo — que Bennett só acerta.
Esse especial, que conta com as participações de Andrea Bocelli, Michael Bublé, Aretha Franklin, Billy Joel, Elton John, Diana Krall, Lady Gaga, k.d. lang, Rufus Wainwright e Stevie Wonder, é imperdível.
Levando-se em conta que esses projetos foram propostos por Bennett, vê-se que o homem ainda sabe como se manter no topo.
Muitos pontos altos
Difícil apontar as melhores faixas de Love Is Here to Stay . S’Wonderful, I Got Rhythm, I’ve Got A Crush On You, But Not For Me e Fascinating Rhythm seriam as minhas escolhidas hoje, o que não quer dizer que outras não possam entrar na lista amanhã mesmo.
Se Love Is Here to Stay não tem o vigor de Cheek to Cheek, mostra que Bennett ainda é rei quando se fala em crooner de jazz. Sua voz ainda é potente e impecavelmente afinada. Um fenômeno!
Para ouvir repetidamente.
**** ½
PS: Surpreendentemente, a versão física do disco já foi lançada no Brasil.
Max Viana, filho de Djavan faz homenagem ao pai com regravação de Samurai, em disco recheado de ritmos e climas
Ser filho de um dos ícones da música brasileira não deve ser fácil. As comparações são praticamente inevitáveis e a pressão para desenvolver um trabalho de qualidade enormes.
Felizmente, esses fatores não parecem afetar Max Viana, filho de Djavan, que lançou seu quarto álbum, Outro Sol, simultaneamente no Brasil e no Japão (onde a versão física chega ao mercado em novembro). Hoje, o disco pode ser encontrado nas plataformas digitais.
— É um disco que passeia por diversos estilos e explora a riqueza da MPB, que é a música que mais permite falar de tantos gêneros diferentes. Sou de uma época na qual a gente ouvia de tudo no rádio — explicou o músico.
A experiência de ter atuado como guitarrista do pai e já ter trabalhado com gente do calibre de Arlindo Cruz, Luiza Possi, Claudia Leitte, Ana Petkovic e Rappin’ Hood, além do próprio Djavan, é claro, trouxeram uma segurança e experiência que estão visíveis no novo trabalho.
Evoluindo
Produzido pelo próprio Max (assim como os trabalhos anteriores) e Renato Iwai, Outro Sol soa como uma evolução natural dos discos anteriores — o Calçadão (2003), Com Mais Cor (2007) e Um Quadro de Nós Dois (2011) — misturando jazz, soul, funk, samba e pop de maneira muito inspirada.
— Acho que é uma evolução natural. O tempo vai passando e a gente vai apurando algumas coisas. Ele tem umas coisas de arranjo que eu gosto mais, que são mais objetivas. Tem uma escolha de repertório que me grada muito e onde posso ter canções como Outro Sol, que remetem ao meu primeiro disco — revelou Max.
A mistura de influências começa logo na faixa-título (a primeira do disco), que traz aquele suingue dançante que deixa claro o pedigree (no bom sentido) de Max. Essa mesma linha dançante está em Tem Fé e Linha de Frente, fazendo uma trinca de abertura de muito peso.
Mas não são apenas os ritmos dançantes que se destacam em Outro Sol. As baladas Pontos de Partida e Tem Nada Não mostram que o talento de Max vai bem mais além do óbvio.
Tem nada não
Meu bem querer
Eu fico aqui até passar
Seu coração vai aprender a não se machucar
Um dia sol, um dia sem
Nenhum motivo pra nublar
Felicidade um dia vem
Pedindo pra ficar
Fim em alto nível
Se as baladas fazem Outro Sol subir de nível novamente, as duas últimas canções — o samba O Amor Não Acabou e a regravação de Samurai — fecham o disco com aquele velho chavão: “chave de ouro”.
O Amor Não Acabou é daqueles sambas com toques pop que não se ouve muito mais nas rádios. Longe do popularesco, a canção tem a elegância de um Paulinho da Viola, mesclado com uma contemporaneidade do Casuarina.
A parceria com Pretinho da Serrinha e Leandro Fab seria um encerramento perfeito para um ótimo trabalho, mas tem mais!
Samurai
Uma das canções mais conhecidas da MPB e da carreira do pai, Samurai ganha uma nova roupagem, mais balançante ainda, com um toque de modernidade, mas sem cair no pastiche ou soar oportunista.
— Quando estava fechando o repertório, uma pessoa da gravadora de lá perguntou se eu poderia regravar essa canção. Como é uma música muito emblemática do meu pai, não é uma que eu escolheria para gravar. Eles disseram que exatamente por isso eles achavam que seria bacana para apresentar no Japão. Gostei do desafio e meu pai gostou muito, até porque ela é muito diferente da original — revelou.
No fim, Max Viana oferece um trabalho de altíssima qualidade e com uma versatilidade capaz de agradar fãs de (quase) todos os gêneros.
Início, meio e fim
Outro Sol, que ganha edição física no Japão (ainda não há confirmação de seu lançamento no Brasil) é um disco clássico, com uma história própria.
— O streaming mudou um pouco a maneira das pessoas ouvirem música, exatamente por essa opção de ouvir uma faixa aleatória ou na ordem que mais gostar, mas ainda acho que o disco é uma história com início, meio e fim, que deve ser ouvida na sequência concebida pelo autor — explicou o músico.
No outro lado do sol
Aproveitando o lançamento simultâneo no Brasil e no Japão, Max embarca, em dezembro, para uma turnê do outro lado do mundo.
Get Started e Nothing for Free podem ser encontradas, até agora, nas versões de Egypt Station vendidos na Target (USA), HMV (Inglaterra) e na edição japonesa, em SHM-CD)
Como sempre acontece com os lançamentos de Paul McCartney desde…muito tempo, os álbuns são oferecidos em uma grande variedade de formatos.
Não seria diferente com Egypt Station (leia a crítica aqui) que, além da versão normal em CD e vinil, também tem uma versão dupla (vinil), também pode ser encontrado em versões exclusivas das lojas Target (Estados Unidos) e HMV (Inglaterra), além da edição japonesa, que por lei precisa sempre ter algo extra.
Só para fãs
No caso, o diferencial são duas canções extras: Get Started e Nothing for Free (ouça as duas no fim do post). Normalmente as canções que McCartney escolhe para lados B e como faixas extras são bastante boas. Infelizmente, esse não é o caso.
Nenhuma das duas gravações acrescenta nada ao álbum e são recomendadas apenas para os fãs mais completistas.
Em Egypt Station, que foi lançado neste sexta (7), ex-beatle lança disco de inéditas, faz homenagem ao Brasil e leva fãs para uma variada jornada musical
É sempre delicado falar de um novo disco de Paul McCartney. Aos 76 anos, o eterno beatle é, de longe, o maior e mais genial músico vivo.
Ele poderia estar vivendo tranquilamente curtindo as glórias conquistadas, mas o homem não para e continua produzindo muito.
Ainda relevante
Apesar de não ser mais o hitmaker de décadas atrás, McCartney ainda é capaz de oferecer faíscas generosas do talento que nos deu clássicos como Hey Jude, Yesterday, Band on the Run e Mull of Kintyre, entre muitos outros.
Mesmo assim, falar sobre o álbum de um artista que pode ter uma coletânea de quatro CD (Pure McCartney) e ainda deixar coisas boas de fora, é uma senhora responsabilidade.
Ainda mais, quando ele chega depois do bom New, disco pelo qual tenho um carinho especial.
Então, vamos lá!
Viagem conceitual
Egypt Station — o 17° disco solo de Paul (sem contar os álbuns lançados com o Wings e outros projetos) e primeiro disco de inéditas desde New (2013) — teve o título inspirado no nome de pintura de Paul e foi concebido como uma viagem de trem por várias estações e estilos escolhidos pelo maquinista McCartney.
Sendo assim, ouvi-lo na ordem determinada por Paul parece a melhor maneira de entender o novo disco.
Faixa a faixa
1. Opening Station — Uma vinheta de 42s com sons de estações de trem reais e um coral de vozes. Deveria servir como uma espécie de boas-vindas ou bilhete para a viagem musical. Não funciona, mas também não incomoda.
2. I Don’t Know – Uma das duas primeiras canções divulgadas por Paul, é uma balada que fala das inseguranças de uma pessoa comum, o que nem sempre é relacionado a uma personalidade mundial como McCartney.
O piano e o clima lembram um pouco This Never Happened to me Before (do álbum Chaos and Creation in the Backyard). Uma das melhores paradas do novo disco.
— Escrevi essa música depois de um período difícil, que todo mundo passa. Sou eu externando um problema e colocando tudo em uma canção —revelou Macca.
3. Come On to Me — O outro lado do primeiro single de Egypt Station, é um pop/rock com melodia quase chiclete e uma das letras safadinhas que Paul incluiu nesse novo trabalho. Não é brilhante, mas é bem agradável e rendeu a Paul seu primeiro top 10 na Billboard em 20 anos.
4. Happy with You — É Paul sendo bastante pessoal. A canção fala de como ele está feliz (com a atual esposa, Nancy) e como deixou para trás os dias de excessos de drogas e álcool. A melodia é bem característica de McCartney, com um riff de violão que remete vagamente a Blackbird, mas com uma produção que lembra canções do álbum New (2013). Outra boa parada na viagem.
I sat round all day I used to get stoned I liked to get wasted But these days I don‘t ‘Cause I’m happy with you I got lots of good things to do, ooh yeah
5. Who Cares — Outro pop/rock bastante agradável. Parece uma daquelas músicas que Paul faz com um pé nas costas. Serve para mostrar que ele ainda pode fazer bons vocais com a sua voz de rock.
6. Fuh You — A música mais indecente do disco. Indecente pelo conteúdo da letra, deixo claro. A única composição em parceria (com Ryan Tedder, do OneRepublic) é a mais moderninha do disco. Não é a primeira investida de McCartney no tema (lembram de Hi Hi Hi?), mas é curioso vê-lo querendo apenas sexo, aos 76. Essa é daquelas que vai conquistar fãs e haters na mesma proporção. Velhinho safado!
7. Confidante — Violão e climão folk na primeira parada menos inspirada de Paul. A letra é outra daquelas nas quais Paul abre o coração, dessa vez para falar sobre alguém (amigo ou amor) do passado. Vai ter gente gostando da canção, mas não me tocou.
8. People Want Peace — Vira e mexe Paul saca uma canção pacifista. Normalmente não funciona muito e dessa vez não é diferente. Dispensável.
9. Hand in Hand — Outra balada ao piano. Apesar de menos inspirada que I Don’t Know, não chega a comprometer. É o Egypt Stationvoltando aos trilhos.
10. Dominoes — Talvez a canção de Egypt Station que mais vai receber opiniões diferentes. Para uns será uma das melhores canções do disco, enquanto outros a considerarão pobre. Fico entre os primeiros. Dominoes é daquelas que me imagino ouvindo daqui a muitos anos.
— Uma das coisas interessantes sobre canções é que muitas vezes elas vêm depois de uma discussão com alguém e ela aparece como uma reação a isso. Essa é a história de Dominoes. É uma canção sobre como as coisas estão bem, mesmo quando não parecem estar — explicou Paul.
11. Back in Brazil — Chegamos ao momento que deve(ria) nos encher de orgulho. Infelizmente a canção — a terceira com conexão com o Brasil (as outras são How Many People, dedicada a Chico Mendes, e Kreen-Akrore, inspirada em um documentário sobre uma tribo indígena brasileira — é um dos momentos mais fracos do disco.
A historinha de uma brasileira que se apaixona por um gringo tem uma levada de piano elétrico que lembra Sérgio Mendes ou a canção Keep Coming Back to Love (lançada por Macca em 1993), mas não chega a lugar nenhum.
Não é bossa nova, samba e nem tem clima de Olodum.
A canção ganhou clipe com imagens gravadas na Bahia, vai ser tocada nos próximos shows no Brasil, mas vai ser rapidamente esquecida.
Uma pena.
12. Do It Now — Outro momento que poderia ser evitado. A música não é terrível, mas fica a impressão de que Paul tem coisa melhor no seu arquivo de composições não lançadas. Não emociona.
13. Caesar Rock — Paul roqueiro de novo. Anima e dá novo fôlego para continuar a viagem. Não chega a ser um clássico, mas agrada. Bom vocal.
14. Despite Repeated Warnings — Tem cara de épico. Com seus quase sete minutos, a canção meio que repete uma estrutura já usada em outros momentos (Band on the Run e Uncle Albert/Admiral Halsey, para citar dois ótimos exemplos).
Suas várias mudanças de clima e ritmos — num estilo ópera-rock — e a sua crítica (velada) ao atual presidente dos Estados Unidos, fazem da canção uma forte candidata a ser lembrada por muitos como um dos momentos memoráveis de Paul McCartney.
Não chego a ser tão otimista, mas reconheço o valor da faixa.
15. Station II — A vinheta que deveria encerrar a viagem é, assim como Opening Station, uma colagem de sons de uma estação de trem. No fim, um riff de guitarra nos leva para…
16. Hunt You Down / Naked / C-Link — Outro medley onde Paul usa o seu talento para juntar diferentes melodias. O poderoso riff de guitarra nos leva para o melhor momento roqueiro de Paul.
Uma ótima maneira de terminar a viagem regular de Egypt Station (há duas outras canções que só estão na versão deluxe do disco).
Ouça as canções extras de Egypt Station neste link.
Nem tão moderno
No fim das contas, a produção de Greg Kurstin — responsável pelo sucesso Hello, de Adele, entre muitos outros — nem deixa o som de Paul McCartney tão moderno (ainda bem). Na verdade, o tom mais moderno parece estar em Fuh You, única faixa onde ele não estava no controle.
Decadência das gravadoras
Enquanto Paul e seu time se esforçam para promover da melhor maneira possível novo trabalho, com aparições em programas de TV, rádio e shows secretos, é triste ver a decadência das grandes gravadoras, que obrigam jornalistas a procurar o material necessário para escrever uma resenha decente em locais alternativos.
A diferença no trabalho de divulgação entre 2013 e 2018 é assombrosa.
Quais versões serão lançadas no Brasil? Sei lá.
Uma viagem que precisa de algumas audições
No fim das contas, Egypt Station é um disco razoável para os padrões de McCartney e bom para o atual cenário musical. Não chega ao nível de Ram (1971), Band on the Run (1973) ou Flaming Pie (1997), mas é bem melhor do que Wild Life (1972), Driving Rain (2001) ou McCartney II (1980). Fica ali, perto de Back to the Egg (1979) e Memory Almost Full (2007).
Aviso: não pare apenas na primeira audição. Egypt Station é daqueles álbuns que parecem pouco interessantes no primeiro momento, mas que vão crescendo mais a cada vez que ouvimos.
Essenciais: I Don’t Know, Dominoes, Come on to Me e Despite Repeated Warnings.
Para pular: Back in Brazil, Do it Now, Opening Station e Station II.
Cotação: *** ½
Paul e o Brasil
Paul McCartney e o Brasil têm uma forte ligação desde 1990, data da primeira visita de Paul ao país.
Naquele ano, McCartney e banda fizeram duas apresentações no Maracanã e conseguiram quebrar o que até hoje, segundo o livro Guinness, é o recorde de publico para a apresentação de um único artista (184 mil pessoas, no dia 21 de abril).
Depois disso, Paul voltou ao Brasil em 1993, 2010, 2011, 2012, 2013, 2014 e 2017.
Cantora estreou no Rio a versão estendida do Tributo a Wilson Baptista, show que confirma a excelência na escolha dos seus projetos
Mônica Salmaso é, provavelmente, a dona da mais bela voz do Brasil, e Wilson Baptista (3 de julho de 1913 – 7 de julho de 1968) é um compositor com uma das mais ricas obras do samba. Embora muita gente, como é comum na falta de memória que aflige o país, não ligue o nome às composições. A junção do talento dos dois criou um espetáculo imperdível: Tributo a Wilson Baptista.
A apresentação deste sábado (25/8) no Teatro Rival, no Centro do Rio de Janeiro, serviu não só para celebrar as canções de Baptista como para apresentá-las ao público mais jovem.
Elegância acima de tudo
Obras-primas como Acertei no Milhar, Boca de Siri e Lá Vem a Mangueira, só para citar algumas, ganharam leituras delicadas e elegantes. Como tudo tocado por Salmaso.
Acompanhada de Paulo Aragão (violão), Luca Raele (clarinete) e Teco Cardoso (saxofone e flauta), a cantora trouxe para o seu universo a obra de Baptista, sem desfigurar a essência de nenhuma das canções.
Outro destaque da noite foi a indisfarçável alegria da intérprete com o roteiro do espetáculo, o público presente, os arranjos das canções e a história de Wilson Baptista.
— Gostaria de ressaltar a minha felicidade com o público que foi ao show. Fomos muito bem acolhidos, isso foi muito especial pra gente! Voltei pra casa muito feliz! De verdade! — agradeceu por e-mail uma supersimpática Mônica Salmaso.
Histórias deliciosas
Além dos belíssimos sambas pinçados das mais de 600 composições de Baptista, Mônica Salmaso costurou o roteiro com deliciosas histórias tiradas da biografia Wilson Batista – O samba foi sua glória!, escrita por Rodrigo Alzuguir e lançada em 2014.
Os causos contados entre as músicas serviram como deliciosos links para contextualizar o momento histórico das composições.
Além disso, histórias onde os personagens são figuras do calibre de Moreira da Silva, Ataulfo Alves e Noel Rosa (com quem Baptista teve uma rixa histórica e que rendeu vários clássicos), jamais serão desinteressantes.
As histórias, vale o registro, dão chance de vermos uma Mônica Salmaso descontraída e engraçada como poucas vezes.
— Este projeto tem o diferencial de ser contextualizado na história do Wilson Baptista e por isso ter mais falas. O que me tira um pouco da minha zona de conforto, por um lado. Mas ao mesmo tempo ajuda no aproveitamento da escuta das canções — explicou a intérprete.
Respeito do público
O envolvimento dos músicos e da cantora criaram um clima mágico que se irradiou por todo o Teatro Rival. A plateia, durante praticamente todo o show, se manteve com uma atitude de reverência. Difícil descobrir se para o espetáculo, as canções de Baptista ou o conjunto da obra.
Os longos aplausos, a atenção ao ouvir as histórias sobre as canções apresentadas e o silêncio poderoso que permitia ouvir cada nota e cada nuance dos sons vindos do palco mostraram que o poder da (boa) música, como repito sempre, é atemporal.
— Agora estamos entrando na fase de arredondar o show. Tirar excessos (principalmente nas falas). Gosto dessa ordem e do repertório. Sinto que o show está bem amarrado — explicou Mônica.
Planos
Lançar um CD ou DVD do projeto são possibilidades não descartadas pela artista.
— Pensamos em gravar e fazer um material pra exibição em TV ou vídeos em capítulos para a internet… Mas são ideias que começaram agora. O que eu quero mesmo é fazer este show mais vezes — disse a cantora.
Quem puder assistir a uma apresentação desse show não deve deixar a oportunidade passar. Ou vai se arrepender.
Show
Mônica Salmaso – Tributo a Wilson Baptista – Teatro Rival Petrobras – 25/8
Cotação: *****
Fotos: Jo Nunes e Divulgação Vídeos: Jo Nunes — Oh! Seu Oscar, A Mulher do Seu Oscar, Acertei no Milhar e Meu Mundo é Hoje (Eu Sou Assim).
Clássico, lançado em 1971, será (re)lançado novamente em edição de luxo. The Ultimate Collection traz 135 faixas e um livro contando a história do álbum. São 4 CDs e 2 blu-ray áudio
O fim de 2018 promete ser recheado de novidades para os fãs de rock e dos Beatles, em particular.
Além do lançamento do novo disco de Paul McCartney — Egypt Station, em 7 de setembro — e da edição comemorativa do Álbum Branco — com detalhes e data ainda não divulgados — foi anunciado hoje (23) o lançamento de mais uma edição do disco Imagine, de John Lennon, no dia 5 de outubro.
A história
Imagine foi o segundo disco solo de Lennon. Gravado ainda na Inglaterra, mas com overdubs e a mixagem feitos em Nova York, o álbum é a obra mais conhecida do ex-beatle, muito provavelmente por conta da sua canção-título.
Suas econômicas dez canções foram produzidas por Phil Spector, o mesmo responsável pelo disco anterior — John Lennon/Plastic Ono Band —, alguns singles do músico, o triplo All Things Must Pass (George Harrison) e pelo malfadado último LP dos Beatles, Let it Be.
Embora alguns prefiram o estilo mais cru e menos produzido do Plastic Ono Band —na época um fracasso comercial — foi com Imagine que Lennon conseguiu fazer dinheiro e conquistar sucesso em várias partes do mundo.
Apesar de mais suave, o disco não é composto apenas pela faixa-título e canções de amor — Oh My Love, Jealous Guy e Oh Yoko! —, mas também tem seu lado malvado, com How Do You Sleep?, um dos ataques mais ferozes já feitos na história do rock.
A pobre vítima, Paul McCartney, deve ter ficado bastante chateado, apesar de Lennon sempre dizer que ele não ficou.
— Se eu não puder brigar com meu melhor amigo, com quem eu vou poder? — disse John em uma entrevista, em 1971.
A lista de músicos que participaram das gravações é de respeito. George Harrison, Jim Gordon, Nicky Hopkins, Klaus Voormann, Bobby Keys, além de Joey Molland e Tom Evans, do Badfinger, entre outros.
Clique na imagem e encomende a sua cópia
O álbum chegou ao 1° lugar em quase todo o mundo e, em 2012, foi escolhido pela revista Rolling Stone como o 80° melhor disco de todos os tempos. Nada mal.
Versão definitiva?
A chamada Ultimate Deep Listening Experience pretende (imagina-se) ser a versão definitiva de um dos discos mais esmiuçados e relançados da história. Imagine já foi relançado (pelo menos) em 1987, 2000, 2010, 2011 e 2014, além de ter faixas e outtakes espalhados por várias caixas contendo a obra do artista.
Também não podemos esquecer o filme produzido por Lennon sobre o disco e os vários documentários subsequentes lançados ao longo dos anos — dois deles serão relançados pela Eagle Rock.
A nova edição trará outtakes, demos e um disco com versões evolutivas das canções, mostrando o caminho que percorreram, das demos até a versão comercial. Há mixagens 5.1 e até mesmo uma velha Quad Mix.
O material será, na sua maioria, já conhecido dos fãs mais hardcore, mas sempre há algo guardado para surpreender a todos. As versões evolutivas, principalmente — talvez ao ledo da mixagem 5.1 — são o que mais atiçam a curiosidade dos colecionadores. Ouvir como uma canção é transformada é sempre uma experiência reveladora.
Não foram esquecidos os singles e seus respectivos lados B. Power To The People, Do The Oz e Happy Xmas (War Is Over), por exemplo, estão lá, devidamente remixados e com som atualizado.
Desde 2016
O trabalho na Ultimate Collection não começou agora. Desde 2016, Yoko vem preparando o projeto ao lado do engenheiro Paul Hicks, em Abbey Road. Portanto, é de se acreditar que a coisa esteja prá lá de caprichada.
Livro
O livro Imagine é outro projeto que vem sendo trabalhado há alguns anos. São 320 páginas contando a história da produção do disco e prometendo ter 80% de fotos inéditas em seu conteúdo.
Ele também vai ser vendido separadamente e terá três versões: a normal, uma especial (com 176 páginas extras) e uma edição para colecionadores, autografada por Yoko Ono.
Sinceramente, deve ser lindo de morrer, mas duvido que conte algo que já não saibamos sobre o mais famoso dos discos solo de Lennon.
Os filmes
Junto com os áudios, o feliz comprador encontrará uma versão restaurada do filme Imagine, produzido por John & Yoko, em 1971. O segundo filme — Gimme Some Truth — será (re)lançado separadamente, também em outubro. Todos com som remasterizado.
As versões
Se você chegou até aqui, deve estar preocupado em ter que gastar uma fortuna pelo novo Imagine. A boa notícia é que serão vários sabores para escolher. Há um CD simples, um duplo, a caixa com 4 CDs e 2 blu-ray e a obrigatória versão em vinil (duplo).
Os preços variam entre US$ 18 e US$ 103. Em tempos de dólar acima dos R$ 4, o jeito é rezar para o câmbio baixar até outubro.
Essa é a pergunta de 1 milhão de dólares. Apesar da pequena produção (em termos quantitativos) de Lennon, ainda há muita coisa para ser lançada, tanto em áudio, quanto em vídeo. O problema, é que Yoko sempre dá preferência aos projetos nos quais ela participou.
Portanto, os álbuns produzidos no Lost Weekend, quando John se separou de Yoko e namorou a secretáriaMay Pang, parecem que não vão ter muita chance de receber um tratamento parecido com o de Imagine ou Double Fantasy.
Resta aos fãs continuarem a cavar as novidades no underground e torcer para que, um dia, toda a obra de Lennon seja tratada da forma que merece.
Ficha técnica
135 canções
61 faixas em estéreo
45 faixas em 5.1 Surround Sound
10 faixas em Quadrasonic
17 faixas em mono
2 Easter Eggs (?)
Mixagens originais produzidas por John & Yoko e Phil Spector
2016-2018 Remixes produzidos by Yoko Ono
Mixado por Paul Hicks at Abbey Road Studios & Sear Sound
As faixas
Imagine – The Ultimate Edition: 6-disc Super Deluxe Edition
Disc: 1
Remixed Stereo Album
1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It’s So Hard
5. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die
6. Gimme Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!
Remixed Singles and Extras
11. Power To The People
12. Well… (Baby Please Don’t Go)
13. God Save Us
14. Do The Oz
15. God Save Oz
16. Happy Xmas (War Is Over)
Disc: 2
Elements Mixes
1. Imagine (strings only)
2. Jealous Guy (piano, bass & drums)
3. Oh My Love (vocals only)
4. How? (strings only)
Album Outtakes
5. Imagine (demo)
6. Imagine (take 1)
7. Crippled Inside (take 3)
8. Crippled Inside (take 6 – alt guitar solo)
9. Jealous Guy (take 9)
10. It’s So Hard (take 6)
11. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die (take 11)
12. Gimme Some Truth (take 4)
13. Oh My Love (take 6)
14. How Do You Sleep? (takes 1 & 2)
15. How? (take 31)
16. Oh Yoko! (Bahamas 1969)
Singles Outtakes
17. Power To The People (take 7)
18. God Save Us (demo)
19. Do The Oz (take 3)
20. Happy Xmas (War Is Over) (alt mix)
Disc: 3
Extended Album Tracks and Raw
1. Imagine (take 10)
2. Crippled Inside (take 6)
3. Jealous Guy (take 29)
4. It’s So Hard (take 11)
5. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die
6. Gimme Some Truth (take 4 – extended)
7. Oh My Love (take 20)
8. How Do You Sleep? (take 11 – extended)
9. How? (take 40)
10. Oh Yoko! (take 1 extended)
Outtakes Live
11. Imagine (take 1)
12. Jealous Guy (take 11)
13. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die (take 21)
14. How Do You Sleep? (take 1)
15. How Do You Sleep? (takes 5 & 6)
Disc: 4
Evolution (from demo to final mix)
1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It’s So Hard
5. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die
6. Gimme Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!
Disc 5 – Blu-ray audio #1:
Remixed Stereo Album, Singles, Extras, 5.1., Quadrasonic & Outtakes
1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It’s So Hard
5. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die
6. Gimme Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!
11. Power To The People
12. Well… (Baby Please Don’t Go)
13. God Save Us
14. Do The Oz
15. God Save Oz
16. Happy Xmas (War Is Over)
17. Imagine (Quadrasonic Mix)
18. Crippled Inside (Quadrasonic Mix)
19. Jealous Guy (Quadrasonic Mix)
20. It’s So Hard (Quadrasonic Mix)
21. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die (Quadrasonic Mix)
22. Gimme Some Truth (Quadrasonic Mix)
23. Oh My Love (Quadrasonic Mix)
24. How Do You Sleep? (Quadrasonic Mix)
25. How? (Quadrasonic Mix)
26. Oh Yoko! (Quadrasonic Mix)
27. Imagine (demo)
28. Imagine (take 1)
29. Crippled Inside (take 3)
30. Crippled Inside (take 6 alt guitar solo)
31. Jealous Guy (take 9)
32. It’s So Hard (take 6)
33. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die (take 11)
34. Gimme Some Truth (take 4)
35. Oh My Love (take 6)
36. How Do You Sleep? (takes 1 & 2)
37. How? (take 31)
38. Oh Yoko! (Bahamas 1969)
39. Power To The People (take 7)
40. God Save Us (demo)
41. Do The Oz (take 3)
42. Happy Xmas (War Is Over) (alt mix)
Blu-ray Disc 1 – Imagine – The Ultimate Mixes
Remixed Stereo Album, Singles, Extras & Outtakes
Imagine – The Album Remix in 5.1 & Stereo 24-96
1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It’s So Hard
5. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die
6. Gimme Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!
Singles & Extras Remix in 5.1 & Stereo 24-96
1. Power To The People
2. Well… (Baby Please Don’t Go)
3. God Save Us (Bill Elliot vocal)
4. Do The Oz
5. God Save Oz (John Lennon vocal)
6. Happy Xmas (War Is Over)
The Out-takes New Mix in 5.1 & Stereo 24-96
1. Imagine (demo)
2. Imagine (take 1)
3. Crippled Inside (take 3)
4. Crippled Inside (take 6 alt guitar solo)
5. Jealous Guy (take 9)
6. It’s So Hard (take 6)
7. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die (take 11)
8. Gimme Some Truth (take 4)
9. Oh My Love (take 6)
10. How Do You Sleep? (takes 1 & 2)
11. How? (take 31)
12. Oh Yoko! (Bahamas 1969)
13. Power To The People (take 7)
14. God Save Us (demo)
15. Do The Oz (take 3)
16. Happy Xmas (War Is Over) (alt mix)
The Quadrasonic Mixes Remastered in Quad 4.0 24-96 Original 1971 Quadsonic Album Remastered
1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It’s So Hard
5. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die
6. Gimme Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!
Blu-ray Disc 2 – In The Studio and Deeper Listening
The Raw Studio Mixes – Extended Album Versions – Live New Mix in 5.1 & Stereo 24-96
Experience, in immersive Surround Sound, the moment John and The Plastic Ono Band record each song live, from a sonic soundstage at the center of Ascot Sound Studios at John & Yoko’s home in Tittenhurst
1. Imagine (take 10)
2. Crippled Inside (take 6)
3. Jealous Guy (take 29)
4. It’s So Hard (take 11)
5. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die (take 4 – extended)
6. Gimme Some Truth (take 4 – extended)
7. Oh My Love (take 20)
8. How Do You Sleep? (take 11 – extended)
9. How? (take 40)
10. Oh Yoko! (take 1 – extended)
The Raw Studio Mixes – Out-takes – Live New Mix in 5.1 & Stereo 24-96
1. Imagine (take 1)
2. Crippled Inside (take 2)
3. Crippled Inside (take 6 alt guitar solo)
4. Jealous Guy (take 11)
5. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die (take 21)
6. How Do You Sleep? (take 1)
7. How Do You Sleep? (takes 5 & 6)
8. How? (takes 7-10)
9. How? (take 40 alt vocal)
10. Oh Yoko! (take 1 tracking vocal)
The Elements Mixes From the Master Multitracks New Mix in 5.1 & Stereo 24-96
Mixes from elements of the original multitracks that demonstrate some of the instrumentations from ‘behind the scenes’
1. Imagine (strings)
2. Crippled Inside (upright bass & drums)
3. Jealous Guy (piano, bass & drums)
4. It’s So Hard (strings)
5. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die (guitar, bass & drums)
6. Gimme Some Truth (electric piano & guitar)
7. Oh My Love (vocals)
8. How Do You Sleep? (strings)
9. How? (strings)
10. Oh Yoko! (acoustic)
The Evolution Documentary New Mix in Mono 24-96
The story of the songs from demo to master in rehearsals, studio chat and mixed multitrack elements
1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It’s So Hard
5. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die
6. Gimme Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!
11. Power To The People
12. Well… (Baby Please Don’t Go)
13. God Save Us/God Save Oz
14. Do The Oz
15. Happy Xmas (War Is Over)
16. Tittenhurst Park
Imagine John & Yoko – The Elliot Mintz Interviews New Mix in Mono 24-96
Tribute by DJ and family friend Elliot Mintz featuring revealing, philosophical, honest and humorous interviews with John & Yoko.
Imagine – 2LP vinyl
LP 1 – Imagine 2018 remix
1 Imagine
2 Crippled Inside
3 Jealous Guy
4 It’s So Hard
5 I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die
6 Gimme Some Truth
7 Oh My Love
8 How Do You Sleep?
9 How?
10 Oh Yoko!
LP 2 – Outtakes
1 Imagine (Original demo recorded at Ascot)
2 Imagine (Take 1)
3 Crippled Inside (Take 3)
4 Crippled Inside (Take 6 alternate guitar solo)
5 Jealous Guy (Take 9)
6 It’s So Hard (Take 6)
7 I Don’t Wanna Be A Soldier (Take 25)
8 Gimme Some Truth (Take 4)
9 Oh My Love (Take 6)
10 How Do You Sleep? (Takes 1 & 2)
11 How? (Take 31)
12 Oh Yoko! (from Bed Peace footage – Sheraton Hotel, Bahamas 1969)
Imagine – The Ultimate Edition: 2CD Deluxe Edition
Disc: 1
Remixed Stereo Album
1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It’s So Hard
5. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die
6. Gimme Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!
Remixed Singles and Extras
11. Power To The People
12. Well… (Baby Please Don’t Go)
13. God Save Us
14. Do The Oz
15. God Save Oz
16. Happy Xmas (War Is Over)
Disc: 2
Elements Mixes
1. Imagine (strings only)
2. Jealous Guy (piano, bass & drums)
3. Oh My Love (vocals only)
4. How? (strings only)
Album Outtakes
5. Imagine (demo)
6. Imagine (take 1)
7. Crippled Inside (take 3)
8. Crippled Inside (take 6 – alt guitar solo)
9. Jealous Guy (take 9)
10. It’s So Hard (take 6)
11. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die (take 11)
12. Gimme Some Truth (take 4)
13. Oh My Love (take 6)
14. How Do You Sleep? (takes 1 & 2)
15. How? (take 31)
16. Oh Yoko! (Bahamas 1969)
Singles Outtakes
17. Power To The People (take 7)
18. God Save Us (demo)
19. Do The Oz (take 3)
20. Happy Xmas (War Is Over) (alt mix)
Imagine – The Ultimate Edition: single CD
Remixed Stereo Album
1. Imagine
2. Crippled Inside
3. Jealous Guy
4. It’s So Hard
5. I Don’t Wanna Be A Soldier Mama I Don’t Wanna Die
6. Gimme Some Truth
7. Oh My Love
8. How Do You Sleep?
9. How?
10. Oh Yoko!
Plays Well With Others, coletânea com 4 CDs, cobre a carreira do arroz de festa Phil Collins como convidado de outros artistas
Não faz muito tempo Phil Collins ganhou uma caixa que trazia seus oito CDs solo remasterizados e por um preço ridiculamente barato (£9) – Take A look At Me Now… The Complete Studio Collection. Agora, Tio Phil vai ganhar outra caixa com suas aventuras em discos de outros artistas.
Plays Well With Others chega ao mercado no dia 28 de setembro e já está com a pré-venda aberta por módicas £22 na Amazon inglesa. Vale fazer a pre-order. Detalhe: não há informações sobre se ela será lançada no Brasil.
Onipresente
Quem viveu os anos 80 sabe que Phil Collins era onipresente. Quando não era com o Genesis, Phil podia ser ouvido solo ou ajudando artistas como Brian Eno, John Cale, Eric Clapton, Tears For Fears, Howard Jones, Paul McCartney, Adam Ant e quem mais requisitasse sua presença.
São 59 faixas divididas por eras (começando pela década de 1970, seguindo até 2011, com um disco bônus ao vivo). Interessante ver que Phil conseguiu autorização para incluir Angry, faixa que gravou com Pete Townshend para o disco Press to Play, de Paul McCartney, com quem Collins acabou criando um grande mal-estar depois do lançamento da sua autobiografia (que será resenhada em breve).
— Algumas pessoas dirão que vivi uma vida cheia de charme. Eu fiz o que eu quis fazer na maior parte dela e fui bem pago por uma coisa que faria de graça: tocar bateria. Durante esse tempo eu toquei com muitos dos meus heróis e alguns deles viraram grandes amigos. Nesses quatro CDs você vai encontrar uma pequena amostra desses momentos. Agradeço aos artistas por me deixarem fazer essa caixa, o que não foi fácil — diz Phil no material promocional da caixa.
Tempo vago
A quantidade de faixas, projetos e artistas incluídos em Plays Well With Others impressiona e confirma a fama de arroz de festa do baterista — figurinha fácil também em shows beneficentes e programas de TV — ainda mais se levarmos em conta que tudo foi feito nos intervalos das gravações e shows com o Genesis e da carreira solo.
Esses intervalos permitiram que Collins produzisse e até mesmo excursionasse com alguns desses artistas. Sua parceria com Eric Clapton, para citar um exemplo, gerou o ótimo e subestimado Behind the Sun e o esquecível August, além de uma turnê (1986).
Tudo isso sem contar com a tour de force que o baterista protagonizou no Live Aid, quando tocou em Londres, pegou um Concorde e ainda tocou nos EUA (com Clapton e o Led Zeppelin).
Destaques
Algumas faixas se destacam, seja pela qualidade, seja pelos nomes envolvidos. No quesito qualidade eu destaco No One Is To Blame (de Howard Jones), Woman In Chains (do Tears for Fears), Intruder (de Peter Gabriel) e Do They Know It’s Christmas (Feed The World) — do Band Aid e que se encaixa nas duas categorias.
Já falando em nomes, os destaques são, além das já citadas Angry e Do They Know It’s Christmas (Feed The World), Lead Me To The Water (de Gary Brooker), Hero (de David Crosby), Just Like A Prisoner (de Eric Clapton) e Pledge Pin (de Robert Plant).
No geral, a qualidade das canções é muito boa e deveria fazer muita gente repensar no que foram os anos 80, principalmente quando deixamos de lado as baterias eletrônicas.
Ao vivo
O disco bônus traz registros ao vivo, com destaque para as apresentações no Jubileu de Ouro da Rainha (Party at the Palace) e os shows onde dividiu o palco com Tony Bennett, George Harrison, Ringo Starr e outros superastros.
Cotação: **** ½
Disco 1: 1969 – 1982
“Guide Me Orion” – Flaming Youth
“Knights (Reprise)” – Peter Banks
“Don’t You Feel It” – Eugene Wallace
“I Can’t Remember, But Yes” – Argent
“Over Fire Island” – Brian Eno
“Savannah Woman” – Tommy Bolin
“Pablo Picasso” – John Cale
“Nuclear Burn” – Brand X
“No-One Receiving” – Brian Eno
“Home” – Rod Argent
“M386” – Brian Eno
“And So To F” – Brand X
“North Star” – Robert Fripp
“Sweet Little Mystery” – John Martyn
“Intruder” – Peter Gabriel
“I Know There’s Something Going On” – Frida
“Pledge Pin” – Robert Plant
“Lead Me To The Water” – Gary Brooker
Disco 2: 1982 – 1991
“In The Mood”‘ – Robert Plant
“Island Dreamer” – Al Di Meola
“Puss ‘n’ Boots” – Adam Ant
“Walking On The Chinese Wall” – Philip Bailey
“Do They Know It’s Christmas (Feed The World)” – Band Aid
“Just Like A Prisoner” – Eric Clapton
“Because Of You” – Philip Bailey
“Watching The World” – Chaka Khan
“No One Is To Blame” (Phil Collins version) – Howard Jones
“If Leaving Me Is Easy” – The Isley Brothers
“Angry” – Paul McCartney
“Loco In Acapulco’ – Four Tops
“Walking On Air” – Stephen Bishop
“Hall Light” – Stephen Bishop
“Woman In Chains” – Tears For Fears
“Burn Down The Mission” – Phil Collins
Disco 3: 1991 – 2011
“No Son Of Mine” – Genesis
“Could’ve Been Me” – John Martyn
“Hero” – David Crosby
“Ways To Cry” – John Martyn
“I’ve Been Trying” – Phil Collins
“Do Nothing ‘Till You Hear From Me” – Quincy Jones
“Why Can’t It Wait Til Morning” – Fourplay
“Suzanne” – John Martyn
“Looking For An Angel” – Laura Pausini
“Golden Slumbers / Carry That Weight / The End” – George Martin
“In The Air Tonite” – Lil’ Kim featuring Phil Collins
“Welcome” – Phil Collins
“Can’t Turn Back The Years” – John Martyn
Disco 4: Ao Vivo 1981 – 2002
“In The Air Tonight” (Live At The Secret Policeman’s Other Ball) – Phil Collins
“While My Guitar Gently Weeps” – George Harrison
“You Win Again” – The Bee Gees
“There’ll Be Some Changes Made” – Phil Collins and Tony Bennett
“Stormy Weather” – Phil Collins and Quincy Jones
“Chips And Salsa” – The Phil Collins Big Band
“Birdland” – Phil Collins with The Buddy Rich Big Band
“Pick Up The Pieces” (Live At The Montreux Jazz Festival 1998) – The Phil Collins Big Band
“Layla” (Live At Party At The Palace, 3 June 2002) – Eric Clapton
“Why” (Live at Party At The Palace, 3 June 2002) – Annie Lennox
“Everything I Do (I Do It For You)” (Live at Party At The Palace, 3 June 2002) – Bryan Adams
“With A Little Help From My Friends” (Live at Party At The Palace, 3 June 2002) – Joe Cocker
Artista ganha box com gravações ao vivo feitas entre 1977 e 1983. Muitas delas inéditas
Jards Macalé é o tipo de artista que não pode ser ouvido com pouca atenção. Nada nele ou em sua trajetória é óbvio. Por isso, sempre demanda um tempo maior para fazer a crítica de qualquer um de seus discos. Ainda mais quando são quatro, sendo três deles inéditos.
O box Jards Macalé ao vivo resgata registros históricos. Como o do show de lançamento do disco Contrastes (1977).
Lançado pelo selo Discobertas, capitaneado pelo pesquisador Marcelo Fróes, traz, ainda, uma rara apresentação: para os internos do Presídio da Papuda, em Brasília, em 11 de setembro de 1978.
— Esse projeto é decorrência do trabalho no acervo de Macalé. Faltava fazer esse box com shows memoráveis e que conta como ele se afastou das gravadoras e tornou-se independente — explica Fróes.
Documento histórico
A caixa ainda traz A volta para Vitória, gravado no Teatro Carlos Gomes, em 1981. E também o encontro ao vivo em estúdio com o percussionista Naná Vasconcelos (Let´s Play That, de 1983).
Como a maioria dos registros históricos — algumas das gravações vieram do acervo particular de Macalé —, a qualidade de som não se compara com a qualidade e importância das performances. O que não importa muito.
Os quatro shows de Macalé
Presídio da Papuda
Dos quatro shows, o mais interessante é o gravado no Presídio da Papuda (1978). Macalé desfila uma série de canções do repertório do também genial Moreira da Silva, com quem excursionava na época.
Acertei no Milhar, Olha o Padilha e Sim ou Não, valem deixar de lado qualquer deficiência na qualidade de áudio. Macalé & Cia aparecem em plena forma. E aparentam estarem se divertindo em divertir uma plateia nada comum.
Os comentários entre as canções são uma debochada viagem, assim como cantar Vara Criminal para os internos. Impagavelmente imperdível!
Contrastes ao Vivo
Contrastes ao Vivo marca o lançamento do disco homônimo. Foi gravado no Teatro Teresa Rachel, em Copacabana (atual Teatro NET Rio).
Nele, vemos um Macalé mais sério. Porém, não menos anárquico e maldito, com suas harmonias complexas e acordes dissonantes e surpreendentes saindo do seu violão.
São 22 canções (CD duplo) no formato banquinho e violão, em um registro bem mais profissional que o captado no presídio.
O trabalho de edição e masterização realça a qualidade das canções e da ótima nterpretação do artista.
A Volta para Vitória
A Volta para Vitória (1981) ajuda a compor um quadro melódico, louco e lírico de Macalé. Logo na abertura, A Melhor Coisa do Mundo (Jards Macalé/Xico Chaves) é um ótimo exemplo dessa mistura. Assim como a odebossanovianaChega de Saudade (Antonio Carlos Jobim/Vinicius de Moraes), que fecha o disco.
No meio dele, o escrachado samba de breque Tira os Óculos e Recolhe o Homem, parceria de Jards e Moreira da Silva. Conta a história da prisão de Macalé, anos antes, por ter cantado músicas que não estavam no roteiro dos censores — coisas da ditadura militar.
Estava deitado no meu apartamento
Dormindo tranquilamente
Entregue aos braços de Morfeu
Quando chegou um fariseu…
Um só não, eram uns dez ou vinte, espadaúdos
Homens que davam a impressão
De terreno de dez de frente
Por vinte e quatro de fundos
Que foi dizendo: “levanta que está na hora
A hora é esta, vamo logo, sem demora”
Fiquei atônito e liguei pra Morengueira
Que estava hospedado naquele mesmo hotel
E fui dizendo: “ó Kid, venha cá!
O homem quer me conversar!”
Eu vou cumprir com meu papel
É seu destino, está escrito lá no céu…
A esta altura, pobre do meu coração:
Lá embaixo me esperava, de porta aberta, um camburão
E lá fui eu, com meu irmão Moreira
Fomos cantando, levando na brincadeira…
Let’s Play That
O CD que fecha a caixa é, talvez, o menos interessante, Let’s Play That. Não pela sua qualidade, mas por já ter sido lançado em 1994, apesar de ter sido gravado em 1983, num climão de jam session no estúdio, entre Macalé e o percussionista Naná Vasconcelos (1944-2016).
Nesse registro, a qualidade de som é impecável e os desempenhos, inspirados. Tudo bancado por um dos sócios do Ponto Frio!
Uma história estranha para um disco que merecia mesmo ser (re)descoberto.
— Eu e o Naná sempre quisemos gravar um disco juntos. Eu o conheci em “Gotham City“, no Maracanãzinho; a gente estava ensaiando, tal e coisa, aí de repente, de cima do palco eu olhei e vi, tinha aquele cara ali, já fazendo percussão: “Posso entrar nessa?”. Eu disse: “Esteja à vontade”. Foi aí que nós nos conhecemos e fizemos uma grande amizade — revela Macalé.
Let’s Play That traz composições solo e parcerias com Xico Chaves, Jorge Mautner e Fausto Nilo, entre outros. A excelência dos músicos é genialmente espalhada pelas dez faixas do álbum.
Mais uma vez, a elegância dissonante de Macalé se faz protagonista. Dessa vez com a luxuosa companhia da percussão louca de Naná Vasconcelos. O disco é tão diferente que talvez a música menosincomum se chame Estranha (Jards Macalé/Xico Chaves).
Quando eu nasci
Um anjo louco
Um anjo solto
Um anjo torto, muito
Veio ler a minha mão
Não era um anjo barroco
Era um anjo muito solto, solto, solto
Doido, doido
Com asas de avião
E eis que o anjo me disse
Apertando a minha mão
Entre o sorriso de dente
Vá, bicho, desafinar o coro dos contentes
Let’s play that
Para ouvir com atenção e reverência
Jards Macalé ao vivo reúne 53 faixas. Abraça um período dos mais ricos na trajetória de um dos artistas mais inquietos e criativos da nossa música.
Os shows contidos nessa caixa são daquelas obras para serem ouvidas com atenção, reverência e muito respeito.
Como já citei, a qualidade de som pode não ser 100% perfeita. Mas isso acaba dando um charme e valor ainda maiores aos registros.
O legado de Jards Macalé
Macalé já foi tema de outra (ótima) caixa do selo Discobertas (Anos 70). Lançada em 2016, que reúne seus dois primeiros discos, recheados com alguns demos e faixas ao vivo. Traz também outros dois CDs com gravações raras, muitas vezes tiradas de velhas fitas cassete.
Porém, o legado de Macalé vai além da sua própria obra autoral. Ele foi o responsável, por exemplo, pelos arranjos do ótimo Transa, gravado por Caetano Veloso durante o seu exílio em Londres.
Sua trajetória já foi alvo de dois documentários. Infelizmente, falta um registro mais histórico e pessoal da carreira do senhor Jards Anet da Silva. Aos 75 anos, ele tem muita história para contar. E muita gente quer e precisa ouvir.
O resgate do seu legado musical nos últimos anos vem conquistando uma legião de jovens fãs. Não se fazia ideia de que um som tão inovador pudesse ser produzido numa década (para eles) tão distante.
Tomara que esse resgate continue. E que Macalé não pare de produzir.
Cotação: ****
PS: Macalé é um apelido dado por conta da falta de habilidade do jovem Jards no futebol. Os amigos o comparavam a um jogador do Botafogo chamado Macalé, que podia jogar muito ou ser o perna de pau das partidas. No caso de Jards, na maioria das vezes, o perna de pau.
Grupo carioca reúne bambas como Martinho da Vila e Lecy Brandão e mostra que a saída de João Cavalcanti não diminuiu o apetite musical da banda
Já faz tempo que os meninos do Casuarina – Daniel Montes (violão de sete cordas e vocais), Gabriel Azevedo (voz e percussão), João Fernando (bandolim, violão e vocais) e Rafael Freire (cavaquinho, banjo e vocais) – não são mais meninos. O grupo, criado em 2001, chega ao 8° álbum (+100) sem a participação de João Cavalcanti, que até então era o principal vocalista e compositor do grupo. Mas se muitos ficaram preocupados com o efeito da saída do filho de Lenine na sonoridade do agora quarteto, podem se despreocupar: +100 é um dos melhores (se não o melhor) disco do grupo.
O samba chegou diferente
E agora é para ficar
Vem que a batucada tá quente
E a gente é de firmar
É bom pra curar a dor
Tem ginga que vem de lá
Trago no pandeiro a fé de um orixá
– A saída do João já era uma coisa esperada e, claro, teve um impacto sobre o grupo, mas tem sido uma mudança positiva. Isso nos tirou da zona de conforto e estão todos mais participativos. São 16 anos juntos e a saída reforçou a nossa condição de grupo, culminando com o lançamento do +100 – conta Gabriel Azevedo, principal vocalista do Casuarina.
Convidados de luxo
Cria da Lapa, no Rio de Janeiro, o Casuarina se consolidou depois de dois ótimos álbuns lançados pelo selo Biscoito Fino – Casuarina (2005) e Certidão (2007) -, o mesmo por onde gravaram +100, e parece que a volta a velha casa fez bem aos rapazes. Deixando de fora o lado autoral, o grupo peneirou um repertório extremamente inspirado e ainda recheou o álbum com algumas participações mais que especiais, como Lecy Brandão (Herança de Partideiro) e Martinho da Vila (Tempo Bom na Maré), além de Geraldo Azevedo (Embira) e Criolo (Quero Mais Um Samba).
– Tivemos essas quatro participações, mas Tempo Bom na Maré, com o Martinho, ficou exatamente da maneira que imaginamos. Além disso, ele é um cara que dignifica o samba e dá essa chancela de qualidade ao disco. Foi um sonho concretizado – confessa Gabriel.
Meu amor quando sorri é o tempo bom na Maré
Rede na beira do mar, fruta madura no pé
Água doce no riacho, lua cheia no céu
Camarão frito no tacho, sereno beijando o chapéu
Samba no pé da fogueira, mel de engenho no licor
É a vitória do sonho, vida vivida sem dor
Fôlego renovado
Com um título que remete aos 100 anos do samba (completados em 2017), o novo trabalho mostra que, se o presente da Lapa anda incerto, com os problemas econômicos do país e a insegurança e violência que assolam o Rio de Janeiro, o futuro do samba oriundo da região está mais que garantido. Com arranjos que unem simplicidade e sofisticação, e um trabalho vocal de primeira, +100 renova o fôlego do grupo.
Sambões, ritmos africanos e até forró estão na mistura que faz do novo trabalho casuarinense um prazer de ouvir. As 12 canções levam o ouvinte – seja ele amante do ritmo que for – por uma estrada pela qual não há como não trafegar com alegria.
– A gente vinha fazendo um show em homenagem ao centenário do samba e pensamos em gravar o disco novo baseado no repertório do show, mas achamos melhor apontar para frente e interpretar só com sambas inéditos. Isso reaproximou a gente da galera do samba, da qual nos afastamos um pouco nos dois últimos discos – No Passo de Caymmi (2014), um projeto totalmente conceitual e 7 (2016), um álbum autoral – explica Azevedo.
Força para a Lapa
Um dos principais polos de criação de novos talentos do samba, a Lapa, conforme já citado nesse texto, padece com os problemas do Rio de Janeiro (cidade e estado)
– A Lapa está sofrendo muito com o que está acontecendo com a cidade. Fizemos uma temporada lá em dezembro e janeiro e a coisa não está muito boa por lá. Tem muita casa fechando por conta da violência e da insegurança. Precisamos dar uma força para não deixar essa bela história morrer – diz o músico.
Até rapper vira sambista
Em um lançamento marcado pela sonoridade da percussão, com um repertório de novos sambas de primeira, o nome de Criolo pode até parecer um tanto deslocado, mas o rapper fecha o disco dividindo a faixa Quero Mais um Samba, mostrando que também caminha bem pela passarela do samba.
No fim das contas, +100 reforça a importância do Casuarina na cena do samba e da música brasileira. O disco também mostra que ainda há muita gente produzindo música boa e que a mistura do novo com nomes tradicionais é uma fórmula que vai sempre valorizar os trabalhos bem elaborados.
Nota: **** ½
Fotos: Leo Aversa e Diogo Montes
Uma versão desse texto foi publicada na Revista Ambrosia
Filme, com estreia marcada para o dia 5 de julho, diverte adultos e crianças
Quem acompanha o Universo Marvel está acostumado com a atmosfera sombria dos filmes do Thor, a moralidade dos longas do Capitão América, do carisma do Homem de Ferro e a grandeza dos encontros dos Vingadores. Para balancear esse universo, tivemos o filme que introduziu na gangue o Homem-Formiga, leve e com uma dose de humor infantil bastante destacada, bem ao estilo da Disney, dona da Marvel.
O novo longa do herói, agora com uma companheira de primeira linha, volta a reunir o mesmo elenco – Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michael Douglas e Michael Peña – agora com os reforços luxuosos e de peso de Michelle Pfeiffer e Laurence Fishburne. O diretor Peyton Reed (o mesmo do primeiro filme) aproveita bem o roteiro e injeta doses cavalares de humor. Mesmo as cenas mais sérias são recheadas de alguma piadinha ou referência que vão fazer o público rir.
Para quem acompanha ou não a saga dos heróis Marvel
Claro que há algumas subtramas e citações que só serão compreendidas por quem segue os filmes da Marvel, mas mesmo quem não viu nenhum dos lançamentos do estúdio vai se divertir, o que qualifica o longa para se tornar um campeão de bilheteria, mesmo que não na mesma escala do Pantera Negra ou dos Vingadores.
A história, que se desenrola após os acontecimentos de Capitão América: Guerra Civil e em paralelo aos eventos de Vingadores: Guerra Infinita, nem importa tanto, embora deva se conectar com a próxima aventura dos Vingadores.
Coadjuvantes de luxo
Ter a sempre bela Michelle Pfeiffer e o competente Laurence Fishburne no elenco vai elevar a expectativa de boa parte do público, mas quem rouba a cena é Michael Peña, cujo personagem – o melhor amigo de Scott Lang/Homem-Formiga – ganhou muito destaque e é o responsável por alguns dos melhores momentos cômicos do roteiro. O papel de Peña se sobrepõe até ao da vila, interpretada por Hannah John-Kamen. Já Michelle Pfeiffer, que vive Janet Van Dyne – a Vespa original, esposa do Dr. Hank Pym (Michael Douglas) e mãe da novaVespa (Evangeline Lilly) – faz parte da trama principal do filme, mas merecia um fim melhor (se é que o que acontece é o fim). O papel do personagem protagonizado por Laurence Fishburne é o mais fraco de todos, parecendo mal construído e ambíguo demais. Há mais personagens, mas, sinceramente, não fazem lá muita diferença.
Mais que um filme-tampão
O que poderia ser facilmente classificado como um filme-tampão para preencher o vácuo entre os Vingadores 3 (Guerra Infinita) e 4 (ainda sem título), acaba se tornando um belo programa, graças ao acerto da direção, o ótimo elenco, a química entre os dois protagonistas e a óbvia ideia de não se levar muito a sério.
Se você achava que Guardiões da Galáxia foi bom e engraçado, não deixe de ir ao cinema conferir Homem-Formiga e a Vespa. É um programão!
Procurei não dar muitos spoilers, mas não posso deixar de avisar para não sair da sala de projeção antes de assistir as duas cenas extras que são exibidas durante os créditos do filme.
Futuro dos heróis desaparecidos
Tenho a impressão – e deixo claro que não é uma opinião baseada em informações – que os executivos da Marvel e da Disney guardam alguma surpresa para os fãs. Não é possível que eles mantenham o script onde um grande número de personagens foi dizimado na última aventura dos Vingadores. Há uma deixa dada pelo Dr. Estranho que me deixa com a pulga atrás da orelha e o destino do Homem-Formiga parece ter ligação com essa deixa.
…amor é isso, novo álbum do Tremendão, traz parcerias com Arnaldo Antunes, Marisa Monte e Tim Maia!
Quem disse que rockeiro não pode ser romântico? Erasmo Carlos é a prova viva de que rock e amor combinam. Responsável por grande parte das mais conhecidas canções de amor do país (compostas em parceria com o amigoRoberto Carlos) e depois de três discos de estúdio voltados mais para as guitarras, mas sem perder a gentileza – Rock n’ Roll (2007), Sexo (2011) e Gigante Gentil (2014) – o Tremendão vira o jogo e lança …amor é isso, baseado em e-mails com poesias que escreveu para a mulher, Fernanda Passos, durante os oito anos de namoro do casal.
O resultado, além das composições solo de Erasmo, é uma coleção de ótimas parcerias – Marisa Monte, Dadi, Samuel Rosa, Adriana Calcanhoto, Arnaldo Antunes, Emicida e Tim Maia – e presentes de amigos como Marcelo Camelo e Nando Reis, formando um repertório de altíssima qualidade, que fala sobre todas as faces do mais intenso dos sentimentos e passeia por vários estilos, não ficando preso apenas as baladas.
Paixão e inocência
Já na primeira canção – Convite para nascer de novo (Erasmo Carlos / Marisa Monte / Dadi), o ouvinte é levado a deixar a tristeza de lado e abraçar a oportunidade de uma nova paixão.
Houve um tempo em que eu chorava quase todo dia / Dando linha a uma vida extremamente chata / Com a vontade disponível de não existir… / Houve um tempo em que eu morava com minha tristeza / Era amigo e confidente das manhãs sem sol / Prisioneiro de mim mesmo, sem poder fugir… // De repente, o infinito de uma coisa boa / Começou devagarinho a orbitar em mim / Como num conto de fadas dos Irmãos Grimm… / Era um universo puro de uma pessoa / Que me viu um mundo morto portador de vida / Como um beija-flor perdido no próprio jardim… //
Mas se as letras dão o norte do disco, o instrumental também merece destaque. O baixo de Dadi, os violões e guitarras de Luiz Lopes, e os backings de Pedro Dias e Luiz Lopes, dão peso e unidade ao material pinçado por Erasmo. A faixa-título é um ótimo exemplo disso, com um arranjo delicado onde se destacam os violões e a ótima melodia.
Uma alegria de luz, o orgasmo da arte / Um sonho, uma ardência na alma / Uma dor, uma sorte / Mais que uma oferta egoísta e possessiva / Uma canção de ninar em carne viva… // Um universo inteiro de prazer no céu / A ressonância da paz no coração do seio / Nobre ilusão do horizonte da febre sem fim / E o som da banda avisando que o show é assim…
Sempre moderno
O romantismo não pode ser considerado uma novidade na carreira de Erasmo e mesmo assim ele ainda consegue encontrar formas de se manter novo e atualizado. Uma das surpresas do disco é a sua parceria com Emicida, que também faz uma participação vocal em Termos e Condições, faixa que fala sobre tecnologia e que é um dos destaques do disco. Até mesmo as semelhanças com trabalhos anteriores (Carlos Erasmo e A Banda dos Contentes) soam atuais e trazem um frescor reconhecível ao novo trabalho.
Erasmo pensou mesmo em tudo. O CD está sendo vendido (no site da Som Livre) com um lápis para que as pessoas possam expressar sua própria opinião sobre o que é o amor, já que o sentimento tem significados diferentes para cada alma.
Homenagem ao amigo
Se o sexo já foi tema de um disco recente, o amor expressado nas faixas de …amor é isso é daqueles que todos deveríamos querer viver: intenso, traidor, romântico, idealista e sem fim. Mesmo as canções onde o sentimento veio por conta de uma amizade – como a versão que Erasmo fez para a canção New Love, do companheiro de infância Tim Maia – têm um saboroso toque de inocência.
Eu amei / Todo o amor / Que eu tinha pra amar / O que eu não sabia / É que ela não me amava… / Eu chorei / Toda a dor / Que eu tinha pra chorar / E o pranto que eu chorava / Não fez ela voltar… / Foi então / Que a vida entre o cinza e o azul / Me mostrou / A beleza do mundo em você / Me pergunto / Se eu tenho alguma chance / De contar com seu amor nesse romance… / Ôôô love / Meu novo love / Foi tão bom achar você…
Muitos altos
Toda a unanimidade é burra, já diria Nelson Rodrigues, e dizer que …amor é isso é um trabalho perfeito seria muita pretensão, mas os altos são tantos que mesmo os mais exigentes vão se dobrar a qualidade das (12) canções e da produção (Pupillo). Convite para nascer de novo, Novo sentido, Novo Love e Parece que foi hoje, fazem os 50 minutos do álbum passarem muito mais rápido do que o normal, como num jogo de futebol bem jogado, que sempre passa mais rápido do que uma pelada.
Erasmo Carlos continua produzindo em um ritmo e com uma qualidade que impressionam, principalmente se compararmos com a preguiça do seu velho parceiro. Com …amar é isso, Erasmo deixa a estrada livre para mais canções e álbuns.
O Tao de Dussek é PH*dd*! O ator/compositor/cantor entrega sempre um caminhão de alegria para suas plateias e não foi diferente na última quarta-feira (13), na sua apresentação no Show das 4, projeto que leva grandes nomes ao Teatro da UFF, em Niterói, sempre às 16h.
Comemorando 40 anos de carreira (completados ano passado) e com uma carreira musical que abrange vários ritmos e tendências – nada de sertanejo ou pagode, deixo claro -, Eduardo Dussek continua em forma musicalmente e no humor afiado, mesmo lutando há mais de uma década contra o mal de Parkinson.
Fazendo um show sem roteiro e escolhendo as canções de acordo com o seu humor (e o do público), Dussek ainda é uma usina de força. Para o pessoal mais jovem, ele desfila marchinhas e sucessos autorais que muitos nem devem conhecer ou saber que são de sua autoria – Seu tipo (gravada por Ney Matogrosso), por exemplo. Para os mais velhos, recorda pérolas como Nostradamus, Cabelos Negros e Barrados no Baile.
A comemoração segue dia 20 com uma apresentação no Teatro Riachuelo, no centro do Rio, que vai contar com a participação especial de Silvia Machete.
As Long as I Have You traz canções originais e outras que inspiraram Daltrey na sua juventude
Uma das vozes mais marcantes do rock em todos os tempos, Roger Daltrey lança o seu 9º disco solo – ou 10º, se considerarmos o excelente Going Back Home (2014), feito em parceria com Wilko Johnson – dessa vez apostando no soul e no R&B, e se sai muito bem. Daltrey, que já passeou pelo e sempre será lembrado pelo trabalho com o The Who, mostra que, aos 74 anos, ainda tem muita lenha para queimar. A voz continua potente e afinada (apesar de algumas oitavas mais baixa) e ele consegue imprimir uma emoção genuína em todas as faixas.
Com a nobre presença do violão de Pete Townshend em sete das 11 faixas do disco, o frontman do The Who nos proporciona uma viagem por canções que fazem parte da sua vida desde jovem e por novas composições como Certified Rose, escrita para sua filha. Mas os destaques ficam mesmo com as regravações de How Far (Stephen Stills), Into My Arms (Nick Cave) e, principalmente, a faixa-título. As Long as I Have You é, inclusive, uma das canções que os High Nunbers (que depois se tornariam o The Who) tocavam em seus shows.
– Esse é um retorno ao tempo no qual Pete ainda não havia começado a compor, um tempo quando éramos uma banda de adolescentes tocando soul music para pequenas plateias em bailes de igreja – conta Daltrey.
Clima Who By Numbers
Townshend é, aliás, responsável por um clima Who by Numbers. How Far, por exemplo, poderia muito bem ter sido gravada pelo quarteto britânico em meados dos anos 70. Mas se o violão de Townshend remete aos anos 70, a inclusão de backing vocals gospel e o uso de metais em alguns arranjos fazem o disco soar denso e com a força de ícones como Otis Redding, que não é citado, mas está lá, em espírito.
Foto: Jo Nunes
O peso grave da voz de Daltrey é presença em números como Into My Arms, mas como mostrou na sua passagem pelo Brasil ano passado, ela ainda é versátil e potente o suficiente para segurar as canções mais balançadas, mostrando uma força e suingue bem maiores que os demonstrados no bom Endless Wire (2006), do The Who, e o já citado Going Back Home.
Mas nem tudo são flores. You Haven’t Done Nothing (Stevie Wonder) é um daqueles momentos que poderiam e deveriam ser evitados. Parece que faltou alguém avisar que ela destoa do resto do álbum, soando forçada e sem acrescentar nada ao disco ou a sua versão original.
Rumo ao topo
As Long as I Have You é uma prova de que o que é bom ainda faz sucesso. O disco – lançado no Brasil em CD e disponível nas plataformas de streaming – já alcançou o 3º lugar nas paradas britânicas, na frente até do moderninho Drake. Segundo as previsões, o álbum deve alcançar o topo até o início da próxima semana.
Baterista termina turnê brasileira mostrando energia e que a magia do rock progressivo não morreu
Enquanto a história mostra que bandas de rock sofrem com a perda de seus bateristas (casos do The Who, com Keith Moon, e do Led Zeppelin, com John Bonham), algumas ficam com seu legado a cargo dos donos das baquetas. O Emerson, Lake and Palmer – formado pelos ingleses Keith Emerson, Greg Lake e Carl Palmer – entra nessa categoria.
Ícone do rock progressivo, a banda tem sua música imortalizada pelo baterista Carl Palmer, que passou pelo Brasil com a sua Carl Palmer’s ELP Legacy Tour 2018, como parte da Top Cat Series, que também trouxe o guitarrista do Genesis, Steve Hackett e o grupo Premiata Forneria Marconi. Na sua última apresentação no país, o músico e seus dois ótimos escudeiros – Paul Bielatowicz (guitarra) e Simon Fitzpatrick (baixo) – fizeram uma apresentação de gala no Teatro Municipal João Caetano, em Niterói, no Rio de Janeiro.
Clássicos
Seguindo um setlist bem próximo das apresentações anteriores, Palmer desfilou uma série de clássicos de seu ex-grupo, mostrando uma vitalidade e força surpreendentes para um senhor de 68 anos e viveu o auge do sexo, drogas e rock and roll. Peças musicais como Trilogy, Lucky Man, Fanfare for the Common Man e Tarkus – o ponto alto da noite -, foram executadas com precisão e muita energia.
Recuperando o fôlego
A energia do baterista era recarregada entre as músicas, quando o britânico aproveitava para contar algumas histórias sobre as canções e sobre o grupo, e ainda recuperava o fôlego antes de atacar furiosamente a sua bateria. Normalmente a parte mais chata de um show de rock fica dividido entre a hora do solo de baixo ou do solo de bateria. Nos dois casos a surpresa foi mais que agradável. Simon Fitzpatrick fez um solo onde incluiu o clássico From the Beginning, com uma técnica de dedilhado (a lá Stanley Jordan) impecáveis. Já Palmer fez seu tour de force durante Fanfare for the Common Man, quase no fim da apresentação, marcada por vários pequenos solos.
Ataque epilético ou músicos cheios de ego e talento?
Há quem diga que o ELP não era apenas a reunião de músicos talentosos tocando música complexa e pretensiosa (no bom sentido). Para muitos o estilo do grupo se aproximava mais de um ataque epilético coletivo, onde cada um tocava de maneira egoísta. Apesar de concordar que musicalmente eles tinham um grande ego (com razão), a química e entrosamento eram inegáveis. A produtividade da banda no início dos anos 70, com a gravação de 5 álbuns de extrema qualidade – Emerson, Lake & Palmer (1970), Tarkus (1971), Pictures at an Exhibition (1971), Trilogy (1972) e Brain Salad Surgery (1973) – dentro de um período de apenas três anos é típica de uma época onde mesmo as mais complexas produções eram realizadas em uma velocidade impensável para os dias de hoje, assim como alcançar vendas de 48 milhões de discos, nesses tempos de streaming.
Teatro cheio de “combustível”
– Obrigado por terem vindo nos assistir essa noite. Sei dos problemas que vocês estão tendo com combustível e outras coisas. Nós mesmos tivemos uma carreta com equipamento parada em uma estrada e tivemos que alugar alguns equipamentos – falou Palmer para a plateia em certo momento da apresentação.
Se o país sofre com o bloqueio das estradas realizado por caminhoneiros e empresários e com a total falta de habilidade e força do Governo para resolver o problema, o público de Niterói deu uma demonstração de que mesmo com os problemas no transporte e a escassez de gasolina, a boa música vence. O belíssimo Teatro Municipal de Niteróiestava praticamente lotado e, tenho certeza, suas paredes – quase bicentenárias – foram revigoradas com uma energia e uma música não muito comum para o local.
No fim das contas, os que não tiveram a oportunidade de assistir ao ELP com os três integrantes ou alguma de suas reencarnações, teve uma boa mostra da magia que a sua música ainda possui.
Ainda há grandes nomes do progressivo vivos e fazendo história. Quem tiver a oportunidade de, por exemplo, assistir ao Yes (com Rick Wakeman), não deve deixar de aproveitá-la, mas quem presenciou o Carl Palmer de 2018 pode se orgulhar de um ídolo que soube envelhecer com a força de um rapaz de vinte e poucos anos.
O show
Abaddon’s Bolero (Emerson, Lake & Palmer cover) Karn Evil 9: 1st Impression, Part 2 (Emerson, Lake & Palmer cover) Tank (Emerson, Lake & Palmer cover) Knife-Edge (Emerson, Lake & Palmer cover) Trilogy (Emerson, Lake & Palmer cover) From the Beginning (+ solo de baixo) Canario (Emerson, Lake & Palmer cover) 21st Century Schizoid Man (King Crimson cover) Solo de guitarra Hoedown (Aaron Copland cover) Lucky Man (Emerson, Lake & Palmer cover) Tarkus (Emerson, Lake & Palmer cover) Carmina Burana (Carl Orff cover) Fanfare for the Common Man (Aaron Copland cover) Solo de bateria Nutrocker (Pyotr Ilyich Tchaikovsky cover)
Assim como Eric Clapton, que brindou seus fãs com o fantástico Happy Xmas, seu primeiro disco natalino, os Monkees também atiraram na mesma direção com o seu Christmas Party – lançado pela gravadora Rhino e disponível no Brasil (como sempre) apenas nas plataformas de streaming – para conseguir a sua edição em CD clique no link.
Seguindo a mesma fórmula utilizada em Good Times (e até o mesmo produtor, Adam Schlesinger), o novo trabalho traz canções compostas por grandes nomes do pop especialmente para a banda — Peter Buck (REM), por exemplo — clássicos natalinos, composições próprias e sobras de estúdio, que permitem reviver a voz de Davy Jones.
O repertório é irregular, mas o resgate de canções como Wonderful Xmastime (de Paul McCartney) mostrou-se uma jogada esperta e de qualidade.
Confessin’ The Blues ganhou, além do repertório, um trabalho cuidadoso no campo visual. Aproveitando o talento de Ron Wood como pintor, a banda decidiu colocar um de seus desenhos na capa do CD/vinil.
A nova edição é dividida em compartimentos – o remix feito por Giles Martin e o engenheiro de som Sam Okell, os demos gravados pelo grupo no bangalô de George Harrison (em Esher), outtakes e ensaios das canções e, claro, a mixagem original em mono.
Paul Weller é um veterano com mais de 40 anos de uma carreira muito respeitada e, no Brasil, pouco popular. Membro e principal força dos grupos The Jam e Style Council, Weller já navegou pelo rock, punk, new wave, pop, jazz, r&b e soul, sempre com maestria.
As rugas não escondem a idade. Aos 60, Weller parece mais reflexivo, mas não parece ter perdido o tesão e a inspiração para continuar como um dos nomes mais respeitados da cena inglesa desde os anos 80.
Até chegar por aqui, Bohemian Rhapsody passou por diversas mudanças. Uma delas, crucial. O ator britânico Sacha Baron Cohen (conhecido por sua atuação em Borat) viveria Mercury inicialmente, sob direção de Bryan Singer. Dexter Fletcher — que era a primeira opção, quando se começou a falar no filme, em 2010 — assumiu a direção e Malek incorporou Mercury.
Aliás, o áudio do show é a cereja do bolo da trilha sonora do filme, já que jamais havia sido lançada oficialmente. Mas não deixe de ouvir as outras canções. Você vai correr para elas assim que sair da sessão.
